Cafarnaúm de Nadine Labaki

Nadine Labaki nació en 1974 y es una actriz y directora de cine cristiana libanesa. Es una de las directoras más conocidas en la industria de los videoclips árabes que ha dirigido hasta la fecha algún trabajo para televisión y cuatro largometrajes, de los que ya pasó por estas garitas ¿Y ahora a dónde vamos?, además, ha participado como actriz en otros diez largometrajes, incluyendo este que hoy se presenta, estrenado en 2018 y que fue nominada al Oscar, BAFTA y Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa de ese año, obteniendo el Premio del Jurado, en la sección oficial a concurso del Festival de Cannes. Dotada de una fotografía efectiva, un guión muy potente, una puesta en escena veraz y efectista, contó para su éxito con las portentosas actuaciones de los niños, en especial del protagonista, Zain Al Rafeea un refugiado sirio de sólo 14 años que retrata en la ficción una vida muy parecida a la suya real.

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Cafarnaúm nos cuenta la vida de Zain, un niño de 12 años de los barrios marginales de Beirut, que cumple una condena de cinco años en prisión por apuñalar a un hombre. Ni Zain ni sus padres saben su fecha exacta de nacimiento, ya que nunca recibieron un certificado de nacimiento oficial. Zain es llevado ante un tribunal, después de haber decidido emprender acciones civiles contra sus padres. Cuando el juez le pregunta por qué quiere demandar a sus padres, Zain responde «porque nací», expresando que ellos son los principales responsables de su dura infancia y de su vida conflictiva y caótica. Mientras tanto, las autoridades libanesas procesan a un grupo de trabajadores inmigrantes ilegales, incluida una joven etíope llamada Rahil, madre de un bebé que se convertirá, por pura casualidad, en el compañero inseparable de Zain.

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Esta es una película enorme, grandiosa, dura, tierna, divertida y terrible. Todo a la vez porque así es la vida en las calles de Beirut. Es una película que hiere, sobre todo porque la situación no es sólo realista, sino real. Labaki hace un trabajo prodigioso... y además me dan unas tremendas ganas de volver a esa ciudad maravillosa y terrible que es Beirut.

Monumento a los Héroes de Baler. Una deuda saldada.

Era una mañana gélida, como gusta a Madrid en sus inviernos soleados. Corazones ansiosos, en llamas, esperaban el momento tantas veces esperado, tantas veces olvidado o pospuesto. Pero hoy era el gran día. Una deuda de 120 años se iba a saldar con sencilla solemnidad, con reciedumbre castrense.

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Hoy, en el centro de la capital de España, el Alcalde de Madrid y el Jefe de Estado Mayor del Ejército inauguraron ante una compañía del Regimiento Inmemorial, un piquete del Regimiento Palma, vestidos con el característico uniforme de rayadillo y más de 120 familiares de los héroes un monumento que, con la figura del Teniente Martín Cerezo, representa a los Últimos de Filipinas.

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A partir de hoy, Madrid tendrá en sus calles un lugar muy especial de culto a la memoria de los héroes de España. Cuando pasen por esta plaza y contemplen de nuevo este monumento, recuerden que el 2 de junio de 1899 salieron de la Iglesia de Baler siete andaluces, dos aragoneses, un balear, dos canarios, cuatro catalanes, siete castellanos, un extremeño, tres gallegos, dos murcianos y cuatro valencianos. Hombres humildes, nacidos en diferentes rincones de España. Fueron los últimos de Filipinas que ya, nunca más, quedarán en el olvido porque representan a la España mejor.

Oporto o la belleza asimétrica

Pasé, como cada año, por Portugal. Las playas del norte, de arena fina y agua fría son ya parte de mis rutinas veraniegas.

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Nuevamente me reencuentro con mi querido vecino con su idioma, su café, su clima, su paisaje, su vino, su alma... una parte mi.

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Entre las visitas que hice este verano con mi familia pasé por Oporto, la capital financiera y portuaria de Portugal, por la que ya había pasado varias veces. El tiempo no acompañaba y eso facilitaba las cosas para disfrutar del hermoso caos portuense, en el que los coches, los tranvías y la gente se disputan el espacio y el tiempo. Alrededor, las casas de diferentes tamaños, colores, alturas y formas se agolpan en las laderas del Duero a punto de convertirse en Océano Atlántico.

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En una plaza céntrica aparece la Igreja do Carmo, que ven en la foto, como una verdadera alegoría del alma lusitana. Cuando la simetría se alza, en todo el mundo, como gesto de soberbia en busca de la perfección, surge Oporto, Portugal entero, con su belleza asimétrica como signo inequívoco y señal de alabanza. Rareza incomprendida. Extraña belleza, que decía Amalia en un fado.

Alberto Giacometti en el Prado

Desde que me hice "Amigo del Museo del Prado" he empezado a visitar con mayor asiduidad la mejor pinacoteca del mundo que además, es mía... y suya, claro.

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En una visita primaveral sin más propósito que inundar mi vista de belleza, aparte que la que llevaba del brazo, y pasando por las tantas veces visitadas salas de Velázquez, encontré, aunque estaba anunciado en la puerta, una exposición del escultor suizo Alberto Giacometti, fallecido en 1966. Sus características esculturas metálicas alargadas de forma antropoides muy estilizadas, se mezclaban en varias salas del edificio principal hasta veinte piezas, 18 esculturas y dos óleos, procedentes de varios museos suizos y norteamericanos, fundamentalmente, con otras obras universales, como se aprecia en la fotografía, lo que supuso mi pérdida de interés por el suizo y regreso a mi eterno interés por los clásicos, con el sevillano Don Diego a la cabeza.

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Sea experimento o disgresión, considero que ha sido una exposición fallida. Giacometti tiene su sitio en el (fallido) Museo Reina Sofía y no en el Prado. Las comparaciones siguen siendo odiosas y el interés estético, por amplio que se pretenda, no supera la prueba de poner a la Mujer de Venecia junto a las Meninas, por ejemplo. Espero que el Prado no experimente más con estas cosas, fundamentalmente por el nombre de Giacometti a quien, con todos mis respetos, cuando lo comparo con nuestro, anterior y menos conocido, Pablo Gargallo, también pierde la partida.

Roma de Alfonso Cuarón

Alfonso Cuarón es un director de cine mejicano que tiene ya consagrado su nombre en el mundo del cine ya que algunas de sus películas han obtenido los más codiciados premios del séptimo arte. Quizás de los siete largometrajes que hasta ahora había dirigido, Gravity, premiada con dos Oscar, dos BAFTA y un Globo de Oro, sea la más conocida hasta ahora. Esta que hoy presentamos, recién estrenada en España, pase a ser una de las más recordadas en la posteridad. En esta película rodada en blanco y negro, una profesora de primaria, Yalitza Aparicio, sin experiencia previa como actriz de cine, ha dado vida a la protagonista dejando muy alto el listón de la interpretación para las consagradas de Hollywood. La luz y la fotografía son, junto con cuatro niños, los otros protagonistas de esta cinta que aspira a trinfar en los Oscar de este año tras haber ganado el León de Oro en Venecia.

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Roma, aunque no se diga en la película, es un barrio acomodado de la ciudad de Méjico en la que vive Cleo, la joven sirvienta de la familia de un médico ausente, su mujer, su suegra y sus cuatro hijos, además de otra chica que también trabaja en la casa. En esta casa, con problemas y ternura, con personajes de una pieza, reales, que te hacen reír o llorar, configuran todos ellos un retrato realista sobre los conflictos de familia, las diferencias sociales y las agitaciones políticas del Méjico que vivió bajo el mandato de este hombre nefasto llamado Echeverría en los comienzos de la década de los 70 que causó varias masacres a su pueblo.

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Algunos críticos han dicho que es una carta de amor a las mujeres que lo criaron. Puede ser ya que a una de ellas va dedicada. En cualquier caso es una historia femenina, tierna, sencilla, hermosa, con sus puntos de sufrimiento y su punto de humor y fina ironía, donde la luz se impone a la tiniebla y donde los aviones pasan, lejanos, como ajenos al sufrimiento y a los goces de la vida, para que al final todos queramos que Cleo nos abrace y nos cuide.

La calle de la reina Ester de Julio Martínez Mesanza

Julio Martínez Mesanza es un filólogo, traductor y uno de los mejores poetas españoles de la actualidad. Ha dirigido varias sucursales del Instituto Cervantes, como los de Túnez o Tel-Aviv. Sus libros son una reflexión sobre los valores, la tradición y el conflicto que suscitan en el mundo moderno. Por este baluarte han pasado su Elogio del desierto, Soy en mayo y su último poemario, Gloria por el que recibió el Premio Nacional de Poesía en 2017. Este nuevo libro publicado a finales de 2017 ha sido editado por RIALP.

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La calle de la reina Ester es un libro breve y peculiar, muy personal, en el que el autor, que no había publicado nada en prosa salvo un libro inencontrable, desgrana pensamientos, conversaciones, trabajos inacabados, viajes y muchas lecturas de las que nos deja unas gotas de elixir para despertar nuestra curiosidad. Ensayos, memorias y autores actuales o clásicos pasan ante nuestra mirada para aumentar más la larga lista de libros que, quizás, jamás leamos.

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Caótico, atractivo y muy bien escrito, Mesanza nos lleva de la mano por detrás del decorado de su poesía, nos permite subirnos a la tramoya y observar los retales por coser, las piezas desechadas y los cientos de libros y paisajes que sirven de inspiración a este poeta cuya lectura siempre se me hace breve, muy breve.

La diligencia de John Ford

John Ford fue un director de cine norteamericano de origen irlandés que falleció en 1973 tras haber dirigido 132 largometrajes, el primero de los cuales, mudo, fue estrenado en 1917. Además fue galardonado con siete Oscar de los quince a los que fue nominado. En resumen, es, sin exageración ni empacho, el mejor director de cine de la historia, o incluso se podría afirmar que John Ford "es el cine". Alguno ha ido más allá y ha dicho que en el futuro se dirá que Shakespeare fue el John Ford de la literatura...
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La diligencia, estrenada bajo el título original de Stagecoach en 1939, es de esas diez o doce filmes sobre los que hay una cierta unanimidad para situarlos como "la mejor película de la historia", cosa que es, por fortuna, imposible de determinar. Merecedora de dos Oscar, a la mejor música y al mejor actor secundario, Thomas Mitchell, que encarna a Doc Boone, fue nominada para otras cinco estatuillas. Esta película ha sido modelo y escuela para muchos, como Orson Welles que la vio 40 veces seguidas antes de comenzar el rodaje de Citizen Kane. También fue pionera en muchas cosas, como el primer rodaje en Monument Valley o el descubrimiento de John Wayne, que deja de ser para siempre un actor secundario para convertirse en mito.
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En esta película, personajes de variada especie y condición hacen un peligroso e incómodo viaje en diligencia por un territorio donde los apaches de Gerónimo se han sublevado. Comparten angosto espacio entre otros una prostituta expulsada de su pueblo, un tahúr, un médico borrachín, un banquero cascarrabias y no muy honrado, la mujer embarazada de un capitán o un comisario. Entre ellos, Ringo Kid, un fugado de la cárcel busca vengarse de tres hermanos. Las relaciones no son del todo amigables y la tensión está a flor de piel.
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El maestro Ford, gracias a esta película, consiguió resucitar el género del western, que estaba en decadencia en 1939, y alzarlo a las más altas cotas de la calidad artística y técnica. Hay monografías, tesis doctorales y abundantes libros que explican los entresijos de La diligencia. Por mi parte sólo les animo a que la vean con calma, disfrutándola paso a paso y luego la recuerden, la piensen y, si se lo pide el cuerpo, la vuelvan a ver. No se arrepentirán.

El Bosco. La exposición del V centenario, en el Museo del Prado

Desde el 31 de mayo hasta el 11 de septiembre de este año para conmemorar el quinto centenario de la muerte del pintor flamenco Jheronimus van Aken, más conocido como El Bosco, en el Museo del Prado se ha organizado la más completa exposición de la obra del autor en la que se reúne por primera vez todas sus obras, que no son muy numerosas, salvo tres piezas, una que que está en Viena y dos más en Venecia.

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La exposición está muy bien organizada y está resultando un éxito de visitas y hace que el visitante pueda disfrutar como nunca de la obra del autor y además sentirse orgulloso de la mejor pinacoteca del mundo y de los profesionales que trabajan en ella, y de lo bien que se hacen aquí las cosas cuando se deja en manos de personas dedicadas y apasionadas con la belleza.
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La disposición de los cuadros, muchos de ellos, en especial los grandes trípticos, como "El carro de heno" o "Las tentaciones de san Antonio Abad" permiten su visión 360º alrededor y la posibilidad de contemplarlos lo suficientemente cerca como para apreciar los miles de detalles de estos cuadros siempre crípticos, misteriosos y hermosos.
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Las explicaciones ofrecidas en las audioguías o en el folleto que explica cada cuadro son de una gran ayuda para entender en su conjunto y en cada detalle la obra de El Bosco, pero es más recomendable asistir antes a las diversas conferencias que el Museo ha organizado y que además están disponibles en la web del Museo o en su canal de youTube.

La actualidad de lo bello de Hans-Georg Gadamer

Hace varios meses que me muevo inquieto por el mundo de las ideas. Sé que suena ridículo, pero en cierta forma es así. Me asaltan determinadas ideas y pensamientos que, pareciéndome certeras, pretendo contrastar desde un punto de vista formal, académico, si fuera posible, pero además moral y éticamente fuertes. Estos pensamientos giran entorno a la belleza y a la Belleza, con mayúsculas. A la percepción estética y sus posibles trampas cuando no van acompañadas de una experiencia ética. En fin, he empezado a buscar lecturas que no sean muy complejas ni muy extensas sobre estética. No he querido, como sería conveniente, empezar en Aristóteles y Platón para ir descendiendo a la "crítica del gusto" de Kant o las "lecciones de estética" de Hegel, pasando, quizás, antes por la obra del "fundador" de la Estética como rama de la filosofía, Baumgarten.
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Me puse a ello y busqué en las bibliografías de grados y máster de filosofía hasta que di con una obra que, aunque ciertamente parcial, me abriría un campo inicial para seguir profundizando. Así conocí a Hans-Georg Gadamer, filósofo alemán fallecido en 2002 que fue alumno de Heidegger en Marburgo en la misma Universidad en que fue profesor, pasando posteriormente por Heidelberg.
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El libro elegido, editado por Paidós en un breve volumen de 124 páginas, bajo el título de La actualidad de lo bello, está basado en unas conferencias que Gadamer dictó en Salzburgo en 1974. Este libro lleva un prólogo de Rafael Argullol y tiene el subtítulo de, "El arte como juego, símbolo y fiesta".
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Ha sido una lectura pausada e interesante, con referencias culturales y filosóficas accesibles y que describe la forma de contemplar y percibir el arte, de disfrutar de la experiencia estética, tras la "muerte del arte" que ya describió Hegel tras la llegada de las primeras vanguardias y la desvinculación del arte con la transcendencia. La explicación que Gadamer hace de la percepción del arte como juego, símbolo y fiesta permite mantener los criterios anteriores.
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La lectura me ha resultado clarificadora sobre los puntos puestos en cuestión, pero, sobre todo, me abre un campo inmenso sobre el que ahondar y para el que voy a necesitar a partir de ahora más lecturas sosegadas y profundizar en las raíces.

Realistas de Madrid

El título de esta entrada, Realistas de Madrid, no nos lleva a la fervorosa afición del Bernabeu ni a una milicia monárquica de la capital. Por el contrario, nos anuncia una exposición que se puede visitar y disfrutar hasta el 22 de mayo de 2016 en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

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La exposición está dedicada a un grupo de pintores y escultores que han vivido y trabajado en Madrid desde la década de 1950, a quienes unen, además de la citada vecindad, una formación artística común, centrada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y la orientación de su trabajo hacia el realismo. Además, existen entre ellos relaciones personales, de amistad y familiares. Así, junto al más conocido Antonio López García, se exponen obras de sus amigos y compañeros de estudios, los hermanos Julio y Francisco López Hernández, ambos escultores. Además se pueden ver obras de Esperanza Parada, esposa que fue de Julio López, de Isabel Quintanilla, esposa de Francisco López, o de Amalia Avia y María Moreno.

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La muestra está compuesta por 89 piezas provenientes de diferentes colecciones públicas o privadas, de España o Alemania, e incluye óleos, esculturas, relieves y dibujos. La disposición guía al visitante por un recorrido temático, que incluye bodegones, vistas de interiores domésticos o de rincones urbanos, casi siempre de Madrid, bien en planos cortos o amplias vistas urbanas, tan del gusto de Antonio López. Las esculturas son de tamaño natural y los cuadros varían de la escala pequeña al gran formato.

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La visita ha sido gratificante y muy recomendable. Descubrir la obra de Isabel Quintanilla fue toda una alegría y una sorpresa. Además, alegra comprobar cómo el arte, en su dimensión más pura, trasladando la realidad sin matices a un lienzo o a un trozo de madera o de bronce, se hace más grande y más puro cuando la amistad o la familia generan a su alrededor una urdimbre intangible que sostiene este conjunto de gran belleza.

Memorias de un esteta de Harold Acton

Harold Acton fue un escritor, historiador, crítico de arte, bon vivant, memorialista y experto en la cultura italiana, la civilización china y la lengua inglesa de la que fue profesor. Además fue un "diletante" y un esteta como reza el título de este libro. Nació en 1904 en Villa La Pietra, la propiedad familiar, un palacio renacentista en Florencia. Allí también murió, en 1994, en el evocador palacio donde vivió durante gran parte de su vida. Estudió en el colegio de Eton y en la Universidad de Oxford donde fue testigo y actor de los años de entreguerras en que la juventud universitaria inglesa formó alguno de los movimientos culturales más prolíficos e interesantes del siglo XX, entre los que aparecen en este volumen Evelyn Waugh, Robert Byron o Cyril Connolly, todos ellos amigos del autor.

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Memorias de un esteta es una autobiografía publicada originalmente en 1941, y ampliada en 1970, y publicada en su edición española por Pre-textos en 2010 en una cuidada edición de casi 700 páginas y extraordinariamente traducida.
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Su primeros capítulos cuentan la vida de niño inquieto, florentino más que inglés, cuyos padres le impulsan hacia una vida autodidacta en busca permanente de la belleza. Sus años de Eton y, sobre todo de sus alocados años de Oxford recuerdan al Evelyn Waugh de "una educación incompleta". De hecho, Acton fue tomado como modelo o inspiración para alguno de los personajes de "Retorno a Brideshead".
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Su peripecia en Extremo Oriente incluyó entre 1932 y 1939, una larga estancia en China, donde fue profesor universitario de inglés en Beijing, inmediatamente antes de la Segunda Guerra Mundial. Su retrato de la sociedad china de la época, de la comunidad de expatriados y la relación con sus alumnos dejan algunas de las páginas más interesantes de este libro realmente encantador, retrato de una época elegante, en la que la palabra y el gesto lo eran todo, o casi. 

Juan Belmonte, matador de toros de Manuel Chaves Nogales

Manuel Chaves Nogales está considerado como uno de los mejores periodistas españoles del siglo XX que tuvo el acierto de publicar en forma de libro algunas de sus experiencias, como la caída de Francia en 1940 retratada en La agonía de Francia, que ya pasó por aquí.

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En 1935 hizo una larga entrevista a Juan Belmonte que estaba a punto de retirarse definitivamente de los ruedos tras su segunda aparición. El resultado de la entrevista es este libro, reeditado en 2011 por Libros del Asteroide, con un interesante prólogo del escritor y ensayista taurino Felipe Benítez, en un volumen muy bien editado de unas 370 páginas bajo el título de Juan Belmonte, matador de toros.

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La lectura de esta entrevista - biografía da la sensación de estar ante una novela por dos motivos. En primer lugar por lo accidentado y peculiar de la vida de Belmonte que ser un niño de la calle que llega a mendigar a ser un respetado torero, ilustrado y dueño de varias haciendas y una ganadería. El segundo motivo es porque Chaves sabe tomar la medida y el pulso a la vida de Belmonte y presentárnosla de forma que sea el propio torero quien nos cuente su vida desde una posición marginal, centrándose en las circunstancias, las anécdotas, pero sin tomar un excesivo protagonismo y haciendo que la historia fluya amena y rápida.

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Es una lectura muy recomendable para disfrutar de un extraordinario periodismo literario, para conocer en primera persona la vida de este genio que fue Belmonte y para acercarnos a la realidad social y política de la España del primer tercio del siglo pasado.

Primera antología de los versos de Gerardo Diego

Gerardo Diego es uno de los mejores poetas españoles del siglo XX, lo cual, a la sombra de los Machado, Lorca, Alberti, es decir bien poco. El haber recibido uno de los primeros Premios Cervantes de 1979, ex-acquo con Jorge Luis Borges, da justa medida de sus méritos literarios. En mi humilde opinión, el poema del Ciprés de Silos es uno de los más bellos de la poesía española de todos los tiempos y tuvo un lugar temprano en estas páginas.

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El santanderino genial tuvo a bien hacer dos antologías de su obra poética, esta, editada por Austral en 1941, es la Primera antología de sus versos que incluye la selección hecha por el propio autor de su obra entre 1918 y 1941. Mi nuevo acercamiento a su obra nace de un reciente viaje a Soria, provincia poética donde las haya, en el que me encontré con sus versos dedicada a este provincia, por ello hoy comparto con Vds este que sigue:

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……Romance del Duero

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……Río Duero, río Duero,

……nadie a acompañarte baja,

……nadie se detiene a oír

……tu eterna estrofa de agua.

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……Indiferente o cobarde,

……la ciudad vuelve la espalda.

……No quiere ver en tu espejo

……su muralla desdentada.

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……Tú, viejo Duero, sonríes

……entre tus barbas de plata,

……moliendo con tus romances

……las cosechas mal logradas.

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……Y entre los santos de piedra

……y los álamos de magia

……pasas llevando en tus ondas

……palabras de amor, palabras.

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……Quién pudiera como tú,

……a la vez quieto y en marcha,

……cantar siempre el mismo verso

……pero con distinta agua.

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……Río Duero, río Duero, 

……nadie a estar contigo baja,

……ya nadie quiere atender

……tu eterna estrofa olvidada,

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……sino los enamorados

……que preguntan por sus almas

……y siembran en tus espumas

……palabras de amor, palabras.

Cómo ver una corrida de toros de José Antonio del Moral

Soy de los que considera que la Fiesta Nacional por excelencia, la fiesta de los toros, es una radiografía del alma y ser de España y de los españoles, una forma de entender la vida arrojada y llena de dignidad, quijotesca, genial y, en parte absurda, como es jugarse la vida por animar un espectáculo. Así somos y así queremos seguir siendo, por ello el toreo debe seguir su rumbo, en el siglo XXI y en los muchos más que hayan de venir.

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También es cierto que soy un aficionado que tiene un escaso conocimiento y que asiste muy poco a las plazas, en parte porque he residido durante años en lugares tan poco taurinos como Canarias o Galicia, donde salvo en Pontevedra hay poco afición. Por eso me he conformado con ver toros por la televisión cuando eso era posible y ahora, con mayor dificultad, donde se puede. Por ello alguno de mis amigos taurinos, que no son pocos, me recomendaron la lectura de este libro de José Antonio del Moral, crítico taurino y escritor ameno y bien documentado sobre el arte de Cúchares.

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Cómo ver una corrida de toros es un libro excelente, editado por Alianza en 1994, que a modo de manual sencillo y accesible pero sin renunciar un ápice de la tradición, del peculiar léxico taurino o los porqués de cada cosa dentro y fuera del ruedo ayuda a comprender el alma de la Fiesta, de forma que mi próxima asistencia a una plaza no será igual.

El Greco y la pintura moderna en el Museo del Prado

Para quitarme la espinita de no haber llegado a tiempo de ver la exposición "El Griego de Toledo" para celebrar el cuarto centenario del genio cretense, visité la exposición que el Museo Nacional del Prado organizó bajo el título de El Greco y la pintura moderna.

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Esta exposición que cierra a principios de octubre reúne una serie de cuadros y unas pocas esculturas de Doménico Theotocopópulos mostrando su influencia en pintores modernos, desde Picasso a Zuloaga, pasando por Manet, Fortuny, Chagal, Giacometti o Madrazo.
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La exposición supone un sugerente y original recorrido por el arte de mitad del siglo XIX hasta las vanguardias de la primera mitad del siglo XX en el que se desvelan la admiración por el Greco y la génesis del estilo de muchos artistas consagrados que tenía su origen en un estudio toledano de hace 400 años. La visita, verdaderamente extraordinaria, merece la pena.

Viernes Santo

Todavía resuena el eco de los tambores en las calles malagueñas, ahora tan distantes, las estrofas del Noivo de la Muerte son recordadas, palabra por palabra, por miles de personas y por los cientos de legionarios que escoltaron ayer a nuestro protector. No me resisto a compartir esta imagen alegórica, creada por Navarro Mechón, que, en unas coloridas pinceladas, expone toda una manera de vivir. La mia.

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El sol del membrillo de Víctor Erice

Si Vd busca en el cine un momento de evasión viviendo las vidas de otros personajes románticos, agresivos, indolentes, audaces, épicos o líricos está Vd sacando del cine parte de su esencia. Si además de la historia que le cuentan, le gusta la forma cómo lo hacen, el cine le presenta muchas opciones para poder disfrutar de un arte a veces incomprendido y casi siempre ignorado como tal.

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La propuesta de hoy es una cinta singular, una historia real, la vida de un hombre grabada "en directo". Una historia en la que no pasa casi nada, por decirlo de una forma simplista. No hay heroes ni villanos, no hay esas escenas picantes que parecen ahora obligatorias, ni explosiones, ni tiros, ni tramas conspirativas, ni besos apasionados. Nada de eso. Lo que se reperesenta en esta película es el proceso de creación de la belleza y para ello el artista, Víctor Erice, se vale de la vida de otro artista, muy admirado por mi, como es Antonio López, quizás el mejor pintor vivo de España y uno de los mejores de los dos últimos siglos, para recrear la belleza de la creación, si me permiten el juego de palabras. Como si de una muñeca rusa se tretara, una artista lleva dentro de su obra a otro no menos excepcional. El sol del membrillo es una pequeña obra de arte que mereció el reconocimiento del jurado en Cannes en 1992.

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Víctor Erice se mete en casa de Antonio López y rueda su vida de artista, su técnica, sus trucos, inclusos los límites creativos que él mismo reconoce. Pero también su vida personal, su familia, la cuadrilla de obreros polacos que está reformando su casa, sus amigos que le visitan y sus desvelos para pintar un cuadro. El membrillero que él mismo plantó en el jardín toma protagonismo y acaba siendo el centro de la historia cuando Antonio Lopez decide pintarlo cuando el sol ilumina los frutos en un otoño, el de 1990, que fue en Madrid especialmente lluvioso. Y Antonio lucha por buscar la luz que dé entereza y brillo a los membrillos que bajo la fugaz luz mañanera de Castilla brillan con especial intensidad para que el artista los plasme a través de su paleta en un lienzo.

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Por su parte Erice busca la belleza que rodea la belleza naciente y da rienda suelta a los planos cortos, a los enfoques y las sombras y las luces que hacen de esta película un documental muy especial, casi una vida vivida a distancia y la posibilidad de delectarse con el nacimiento de la belleza pictórica a través de la belleza cinematográfica.

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Alguien me dijo en una ocasión para crear belleza hay que consumir belleza. Y esta es una película que ha de verse para poder consumir belleza en sentido puro, de la que tan necesitados estamos todos.

El último concierto de Yaron Zilberman

Yaron Zilberman es un director de cine norteamericano israelí, dedicado sobre todo a documentales. Este es su primer largometraje, rodado en 2012, que obtuvo un éxito de crítica gracias a una historia sencilla pero a la vez tan compleja como la amistad. Todo ello con composiciones clásicas para cuerda que dan un brio muy especial a esta película.

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El último concierto cuenta la historia de cuatro amigos músicos quienes, tras 25 años cosechando éxitos y gozar de fama mundial, y en plena preparación de un concierto para celebrar su cuarto de siglo profesional, el futuro de un cuarteto de cuerda de Nueva York recibe un duro golpe que puede poner en entredicho su supervivencia. El violonchelista de la formación está padeciendo los primeros síntomas del Párkinson, una enfermedad que en poco tiempo pondrá fin a su carrera como intérprete. La incertidumbre sobre su futuro se apoderará del cuarteto, dando rienda suelta a emociones reprimidas, egoísmos y reproches que pondrán en entredicho años de amistad y colaboración profesional.

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Película encantadora, en especial para los melómanos, en la que se cuenta una historia de superaión, de amor por la música y, sobre todo de verdadera amistad.

El séptimo sello de Ingmar Bergman

Esta película rodada en 1957 y que toma su título de un pasaje del Apocalipsis de San Juan, está considerada como una de las obras maesras del cine y, sin duda una de las mejores, si no la mejor, de las dirigidas por el genial sueco Ingmar Bergman, que, en cambio sólo recibió el premio especial del Jurado en Cannes.

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El guión de El séptimo sello, también de Bergman, narra, con tínts mágicos y fantásticos, la historia de un caballero que regresa a casa tras diez años en las cruzadas. A partir de ahí aparecen en escena diversos personajes, el primero la muerte con quien juega una partida de ajedrez, comediantes, frailes, herreros y aldeanos configuran un a alegoría de un mundo medieval asolado y aterrado por la peste.

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Bergman hace un bella y profunda reflexión sobre la fe y la muerte, mediante la disputa entre la increencia del escudero y las dudas y certezas del caballero. El séptimo sello es definitiva una obra de arte, mezcla de belleza, reflexión y fe.

Un Dios salvaje de Roman Polanski

Roman Polanski nos ha regalado una obra de arte titulada Un dios salvaje.

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Dos matrimonios con notables diferencias en sus trabajos, vidas sociales e intereses se ven unidos por una conversación que gira sobre una pelea entre sus hijos. Sobre esta situación convencional, sencilla y hasta potencialmente anodina, Polanski, con la ayuda de cuatro magníficos actores, ha sido capaz de construir una película breve e incisiva, un crudo retrato, brutal por su franqueza e hilarante por sus diálogos, situaciones y tempos, de la sociedad occidental que finge ser feliz mientras es esclava de sus estúpidas convenciones, lugares comunes y falsas percepciones del bien y del mal, de la moral y de la felicidad.

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La película está ambientada en Nueva York aunque, dado que se rueda en interiores, podría haberse desarrollado en (casi) cualquier otro lugar; de hecho, su guión está basado en la novela Le Dieu du carnage, de la francesa Yasmine Reza, lo que da medida de la universalidad de sus personajes y situaciones dentro de un occidente decadente y hedonista.

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Altamente recomendable, debe ir a verla prevenido de que, a pesar de sus carcajadas, al final, puede verse fielmente retratado. Y eso duele.