Mapa de los sonidos de Tokio de Isabel Coixet

Algunos directores españoles han vendido su alma a la ideología e la que viven y de la que se apacientan. Esto lejos de ser un impedimento, como pasaría en muchos sitios, en España supone un (supuesto) "marchamo de calidad", un plus. Es la forma de ser eso tan ridículo que llaman "artista comprometido", aunque nos han dicho con qué... Pero nos lo imaginamos. Isabel Coixet es una de ellas y ha basado su escaso trabajo cinematográfico en productos de propaganda de la izquierda subvencionada.

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La Coixet hizo un par de películas que fueron, lógicamente, premiadas, en los Goya, pero esta fue la única que optó, aunque sin éxito a la Palma de Oro de Cannes en 2009, y al Oscar a la mejor cinta extranjera en el mismo año del estreno de esta Mapa de los sonidos de Tokio, que pasó, no obstante, sin pena ni gloria por las carteleras.

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Coixet hace una película japonesa, cultura a la que dice sentirse cercana, con la japonesa Rinko Kikuchi y un muy poco convincente (pero "comprometido"), Sergi López. La película cuenta una historia de asesinos a sueldo y pasión que podría ser interesante pero que se pierde entre escenas de sexo que nada aportan y momentos de "espera" que añaden poco a una trama artificiosamente estirada y que contiene varias historias interconectadas y paralelas, pero superfluas, contadas por un narrador que no sabemos quien es. Es una película pretenciosa y vacía, un ejercicio visual sin alma ni emoción.

Raza de José Luis Sáenz de Heredia

El director de cine español José Luis Sáenz de Heredia tuvo unos inicios prometedores antes de guerra civil, en los que contó con la ayuda de Luis Buñuel. Tras la contienda, continuó en 1941 con Raza, su cuarto largometraje, y siguió con varios títulos de mérito hasta que fue cayendo, durante el llamado tardofranquismo, en películas de destape tan de moda aquellos últimos 1960s. Raza tiene guión de Jaime de Andrade, que no es otro que el General Francisco Franco y cuenta la historia de varias generaciones de una familia española, la Churruca, que desde Trafalgar, pasa por Cuba y llega a las trincheras de la Ciudad Universitaria de Madrid.

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Dentro de las limitaciones técnicas de la época, la variada calidad de las interpretaciones, destacando sobre todos Alfredo Mayo, y el guión, que es una pieza propagandística, como tan habitual era entonces, en todos los países, Raza es un clásico de la filmografía de guerra, centrándose sobre todo en la vida del Madrid ocupado y en los diversos personajes con caracteres leales, acomodaticios, blandos, acalorados... La guerra y la naturaleza humana.
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Raza se ve con agrado y con cierta sonrisa por lo infantil en el planteamiento, de buenos y malos absolutos. A muchos otros le saldrían sarpullidos, claro está. Pero poco me importa.

Les Lyonais de Olivier Marchal

El director francés Olivier Marchal ha dirigido una película dura, épica, brillante y mortal, en la que la vida y la muerte dependen de un "buen golpe", pero también de la lealtad y hermandad entre los miembros de la banda que lleva el nombre de Les Lyonais, banda que existió hace 40 años en Francia.

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Edmond Vidal, alias "Momon", interpretado con maestría por Gérard Lanvin, es un gitano que vive ya retirado del mundo del crimen, tras haber formado parte de la banda "Los lioneses", que cometieron numerosos atracos por toda Francia en los 70 del que formaba parte su amigo Serge, a quien siente casi como a un hermano. Tras el nacimiento de su séptimo nieto, recibe la noticia de que su compañero Serge, con el que se inició en el mundo criminal, ha sido detenido después de burlar a la justicia durante trece años. La amistad y la lealtad hacen que Momon se plantee sacar de la cárcel a su amigo. A partir de ahí y tras haber dado su palabra a su mujer de no volver al mundo del crimen, Momon se ve envuelto en una lucha entre los Lioneses, que regresan, por lealtad, a la acción, la policía y una banda que busca a Serge que tiene una deuda con ellos. A la vez, la película narra, con frecuentes feed back, la vida criminal de Momon y Serge en su juventud.

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Les Lyonais es una película que nos habla de viejas normas no escritas, de códigos que mantienen unidas, a pesar de los sufrimientos, a los grupos de amigos, de camaradas, de personas que se han jugado la vida juntos protegiéndose las espaldas mutuamente. En definitiva, de reglas de otros tiempos lamentablemente en franca retirada.

Annie Hall de Woody Allen

El director y actor de cine norteamericano Woody Allen obtuvo uno de sus mayores éxitos profesionales en 1977, al ganar el cuatro Oscar, incluyendo el de mejor director, mejor película y mejor guión original, el BAFTA británico y el César francés a la mejor película. Además, su protagonista femenina, Diane Keaton obtuvo el Oscar y el Globo de oro a la mejor actriz. Annie Hall fue uno de los grandes éxitos de ese año y continúa siendo una película de culto para loa amantes de la obra de Woody Allen y del cine en general.

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Alvy Singer, a quien da vida Woody Allen, es un tipo algo neurótico, que visita a su psicoanalista desde hace 15 años y que trabaja como humorista en clubes nocturnos. A sus 40 años, tras romper con Annie, su última novia, reflexiona sobre su vida, rememorando sus amores, sus matrimonios, pero muy en especial su relación con Annie, a la que conoció en una cancha de tenis. Al final, llega a la conclusión de que son sus manías y obsesiones las que siempre acaban arruinando su relación con las mujeres. En definitiva una radiografía de la sociedad americana de aquellos años. Como curiosidad, en esta película Allen y Keaton interpretaron su propia ruptura.

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La forma transgresora de plantear la película, con escenas en las que los actores se dirigen al público o la inclusión de una escena de dibujos animados resultó revolucionaria en aquellos años y marcó un hito en la historia del cine.

El buen pastor de Robert de Niro

El actor Robert de Niro dirigió un par de películas entre las que se encuentra ésta, que se considera una de las mejores películas de espías, con una duración algo inferior a las tres horas, fue rodada en 2006, nominada para un Oscar y lleva por título El buen pastor. Como curiosidad, de Niro se reservó un papel secundario. La película se centra en los primeros años de la CIA en la vida de uno de sus primeros miembros.

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El argumento se mueve entre varios momentos históricos de la vida de Edward Wilson, personaje que recrea la vida de James Jesus Angleton, un miembro de la elitista sociedad secreta de la Universidad de Yale, "The skuls and bones" y miembro de la OSS y luego la CIA, donde llegó a ser jefe de Contrainteligencia.

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La película da saltos en el tiempo desde sus comienzos universitarios y su relación con este reducido grupo secreto, la segunda guerra mundial y la guerra fría, en especial el fracaso del desembarco de la Bahía de Cochinos que pretendía en 1961, derrocar a Fidel Castro.

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Supone un extraordinario retrato de la génesis de los servicios de inteligencia norteamericanos, de sus operaciones fallidas y de sus métodos a veces poco ortodoxos. Retrata muy fielmente toda esa época de traiciones, agentes dobles y riesgo que fue la Guerra fría.

Los dioses deben estar locos de Jamie Uys

Hace muchos años, seguramente cuando se estrenó en España esta película, me apeteció verla pero no fue posible. Ahora sí y he disfrutado de esta atípica película sudafricana dirigida en 1980 por Jamie Uys, que explica las cosas cotidianas desde el punto de vista de un bosquimano, junto con otras historias paralelas típicamente africanas y que tanto me gustan. Su título es Los dioses deben estar locos y la situación se desarrolla en Botsuana.

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El caso es que los bosquimanos son una apacible tribu africana que vive armoniosamente lejos de la civilización y sin preocuparse de las miles de asuntos que nos hacen infelices. entre otras, la propiedad de las cosas. Un día uno de sus miembros, recoge en la llanura una botella vacía de Coca-cola. Pensando que se trata de un regalo de los dioses, la lleva a la tribu. El extraño objeto, codiciado por todos, acabará por romper la paz que reinaba entre la familia. El viaje de este bosquimano para devolver la botella a los dioses es disparatado y divertido, pero a la vez va dando pequeñas dosis de sabiduría africana.

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La película es una mezcla de documental, película de aventuras, y una profunda reflexión sobre la libertad y el mundo moderno, con las comodidades que nos esclavizan y las normas y leyes que a veces no hacen justicia sino que cumplimentan las necesidades que nosotros mismos nos hemos creado.

70 aniversario de la batalla de Krasny Bor

Era entonces Krasny Bor una zona pensada para una urbanización obrera a las afueras de Leningrado, a 20 kilómetros de esa ciudad que hoy se vuelve a conocer por su antiguo nombe de San Petersburgo.

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Allí, hace hoy setenta años, una parte de la División Azul, bajo un frio polar y sobre una gran capa de nieve se enfrentó a una ofensiva del 55 Ejército soviético que contaba con cinco veces más fuerzas que los españoles además de una cantidad proporcionalmente muy superior de artillería y carros.

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Poco importaba aquello de los números y las potencias de fuego relativas, pero lo cierto es que en tres días de combate, las fuerzas españolas sufrieron más de 3.500 bajas, cerca del 70% de las fuerzas desplegadas. Los rusos tuvieron 12.000 muertos y la ofensiva soviética fue detenida. La detención, ya lo sabemos por que conocemos el final de la historia, fue provisional.

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Quizás alguien piense que fue un esfuerzo inútil o que no mereció la pena el sacrificio. Libres son de pensar lo que les plazca, pero sepan que, en los arrabales de Leningrado, hace hoy setenta años, en las praderas nevadas, sobre el suelo embarrado y quemado por la artillería soviética, se escribió con sangre española una de las mayores gestas heróicas de la Segunda Guerra Mundial. Sepan que allí, las voces españolas desgarradas, pero cálidas y apasionadas cantaban y rezaban derritendo la nieve en un invierno mortal. Sepan que sobre la estepa rusa, hace hoy setenta años, florecieron rojas y frescas, un puñado de rosas.

Un verano con Mónica de Ingmar Bergman

El genio sueco Ingmar Bergman dirigió en 1953 una película que le supuso su reconocimiento internacional como director en este que fue su 12º largometraje basado en la novela del escritor también sueco Per Anders Fogelström, del mismo título que la película, Un verano con Mónica.

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El argumento trata sobre el enamoramiento de dos jóvenes que viven una "aventura de liberación". Harry tiene 19 años y trabaja en un almacén de vidrio y porcelana en el que no se encuentra a gusto. En un local próximo, un almacén de vegetales, trabaja Mónica también una joven de 17 años alegre y soñadora que está a disgusto en su trabajo y en su casa. Ambos comienzan una relación en un café, se enamoran y deciden dejar sus empleos, en los que son hostigados y abandonan la ciudad, Estocolmo, en la pequeña lancha del padre Harry dirigiéndose al archipiélago, próximo a la isla de Örno, para pasar unas semanas a solas, rompiendo cualquier atadura social o familiar. Pero todo cambia poco a poco hasta presentar su más fea cara.

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Bergman rompió, además, un tabú con esta cinta que presentaba un desnudo de su actriz protagonista, Harriet Andersson, que hacía su primer trabajo con el director sueco con este largometraje que la consagró como una actriz de mérito.

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Rodada en blanco y negro, Un verano con Mónica es de una belleza y una luminosidad fuera de lo común, pero es además una triste reflexión sobre asuntos trascendentes de la vida, la madurez, la responsabilidad, la fidelidad, el amor, el serio planteamiento del futuro, la vacuidad de la vida...

Sobran las palabras de Nicole Holofcener

La directora de cine y televisión norteamericana Nicole Holofcener, dirigió en 2013 esta película, que fue nominada para un Globo de oro a la mejor actriz, y que se titula Sobran las palabras.

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El guión cuenta la historia de Eva, una madre divorciada que trabaja como masajista y que ve con temor la inminente partida de su hija a la universidad. Eva tiene un idilio con Albert, un hombre dulce, divertido y un poco maniático, que también vive sólo por que está divorciado. Al  mismo tiempo hace amistad con Marianne, una clienta sofisticada que es poetisa. Cuando Eva conoce la verdad sobre el ex marido de Marianne, empieza a albergar dudas sobre su relación con Albert y se deja influir negativamente. La película tiene un muestrario de personajes reales, tristemente reales, de neuróticos, egoistas, indecisos, cobardes y personas con bajo coeficiente moral, como, sobre todo, la propia Eva.

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Esta es una película "romántica" de amores y desencueantros, de enamoramientos y relaciones que se enfrían. De divorcios y soledades, en definitiva de la gran enfermedad occidental de la falta de compromiso, de la firma apuesta por los sucedáneos del amor. Por eso, no deja indiferente a nadie, y menos a quien, como yo vive y se alimenta de amor verdadero.

Por favor, dejen paso

No queda tiempo para lamentos. Todo parece estar cerrándose. Un negro sumidero se lleva nuestra última esperanza. En el horizonte ya no se ve el resplandor del faro que anunciaba el calor cercano  del hogar, donde todo era fácil y amable, donde las certezas y el cariño arrullaban y hacían llevaderas las miserias materiales porque nos sustentaban las grandezas morales.

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Se retira la tierra bajo nuestros pies, la decencia y la honestidad están en fuga, la responsabilidad es negada y la reputación y fama están en almoneda. Sólo el éxito material es seña de calidad humana.

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Los que creen dirigirnos ofrecen como ejemplo el delito y la inmoralidad. El dinero va y viene entre cuentas y sobres, sin más esfuerzo que el disimulo.

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Las calles de España se llenan de desesperanza, los gestos airados u orgullosos de otros días se tornan en miradas perdidas, desconcertadas, huérfanas de dirección y de moral. Los hipócitas, que son mayoría, se quejan tan sólo porque reclaman su parte del botín.

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En algunos rincones, no menos sucios, ponen en duda la misma existencia de España, la memoria de nuestros padres y el futuro de nuestros hijos. Todo para que los sobres sigan circulando.

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No es momento para lamentos desgarrados, para la predestinada abulia. No. Es tiempo de que el aire sea rasgado por nuevas canciones de esperanza y honor. Es tiempo de que la única música que se oiga sea la de las máquinas trabajando incansables para levantar el futuro. Es tiempo de sacrificio y esfuerzo, de negación propia para la afirmación colectiva. Es el momento de que las personas importantes se retiren para dejar paso a las personas útiles. Es el momento de que quien deba, vaya a la cárcel, sin excepción, y que tome el timón quien sepa. Los de las listas de siempre ya han dado todos su medida.

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Por favor, dejen paso.

The invention of Somalia de Ali Jimale Ahmed

En un renovado interés, nunca perdido, por acercarme a Africa y sus muchas historias apasionantes, sus miserios ancestrales, lo complejo de sus pueblos y los orígenes de muchos de sus problemas he continuando leyendo libros que ilustren y satisfagan mi afán. El Cuerno de Africa, y sobre todo Somalia, es quizás junto con el Sahel, el punto más caliente del continente y cuyas raices han de conocerse para ser capaces de enttender, siquiera de manera superficial, qué pasa allí.

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En este sentido, opté por leer el libro The invention of Somalia que es una colección de ponencias de un congreso sobre antopología e hstoria de Somalia orgnizado por varias universidades americanas y británicas en la que ponenetes de estos dos países, más estudiosos italianos, antigua potencia colonial, y, sobe todo miembros de la pequeña comunidad académica somalí en el exilio, siendo de ellos, Ali Jimale Ahmed el coordinador de la publicación en la editorial eritreo-americana The Red Sea Press.
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El resultado es un libro tremendamente instructivo, si bien algunas de las ponencias, sea por lo específico del tema tratado, o por su alto nivel de erudición sean de menor interés frente a la mayoría que resultan excelentes.

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La dificultad de realizar estudios antropológicos sobre una cultura como la somalí cuya tradición escrita comenzó en 1972, hace poco más de cuarenta años, hace que haya de basarse en los estudios lingüisticos comparados, restos arqueológicos, crónicas de viajes y costumbres tribales sin apoyo alguno en documentos locales. Este handicap hace este estudio más apasionante y exigente si bien se da más a la fabulación. De ahí el título del libro que pretende desechar algunas teorías antropológicas sobre Somalia, comunmente aceptadas, como el carácter exclusivamente nómada de los somalíes, o la extensión del Islam desde el norte del país, en las costas del Golfo de Aden. Para ello los ponentes se valen de estudios sobre aspectos tan interesantes como el papel de los esclavos de origen bantú y la difusión y alcance de sus idioma y etnia, el comiezo de la cria del camello, la expansión y jerarquía histórica de los clanes o la llegada de los primeros predicadores musulmanes desde la cercana Arabia.

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El resultado de la lectura de este libro es un conjunto de conocimientos variados que ayudan a apuntalar los siempre escasos conocimientos sobre esta apasionante y atormentada tierra que es Somalia,

Tenemos que hablar de Kevin de Lynne Ramsay

La directora escocesa Lynne Ramsay llevó al cine, siguiendo con gran fidelidad la novela de la norteamericana Lionel Shriver que lleva por título el mismo que esta película estrenada en 2011: Tenemos que hablar de Kevin.

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La historia es dura y la puesta en escena brillante, el tema controvertido y las interpretaciones sobre el significado profundo de la cinta, múltiples. Tilda Swinton protagoniza esta película como madre de Kevin y lo hace con una brillantez poco común asumiendo los dos momentos de la vida de esta madre sufriente, el antes y el después de la tragedia que protagonizará su hijo y que cambiará su vida.

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La tragedia de la que nada se sabe a lo largo de la trama salvo su mera existencia, marca el pivote de los amores maternos jamás correspondidos que se van tornando en aversión y miedo pero manteniendo latente ese plus de cariño que las madres siempre mantienen en su interior.
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El mal en su estado puro, la indolencia paterna, el sufrimiento de la madre y la incompresión y crueldad de los vecinos dan forma social y psicológica de esta gran película que se ha de ver con la mente abierta y con ganas de escrutar los escondrijos más oscuros del alma humana. Para lo bueno y para lo malo. 

The women de Diane English

Reconozco que era altamente improbable que yo pudiera ver esta película ya que no reúne ninguna de las características que me atrae del cine. Una mezcla de aburrimiento, falta de reflexión y un poco de curiosidad lo hicieron todo.

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El caso es que The Women es una comedia estrenada en 2008, dirigida por la poco conocida Diane English y protagonizada por Meg Ryan, Annette Bening, Eva Mendes, Debra Messing y Jada Pinkett Smith. La película que fue un éxito de taquilla, fue, en cambio, un gran fracaso de crítica, en parte porque, siendo un remake de una de igual título y similar argumento de 1939, le falta el encanto y la sutileza de aquella. Como curiosidad, en esta película no aparece absolutamente ningún hombre.

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El argumento es simple. Un grupo de amigas tremendamente superficiales, intentan arreglar la vida de las demás y especialmente de una de ellas a la que su marido le es infiel y va a divorciarse. Al final, esta película entre un cúmulo de tópicos, ordinarieces, lugares comunes y obviedaes de la sociedad hedonista para la que ha sido filmada, tiene rasgos de humanidad, de valores sobre el matrimonio y el cuidado de los hijos. Aún así, me pareció simplona, a ratos absurda y escasamente entretenida.

El manantial de la doncella de Ingmar Bergman

Ingmar Bergman, el genial director de cine sueco, fue nominado para la Palma de Oro en Cannes y ganó el Oscar y el Globo de Oro a la mejor película extrajera en 1961 con esta película que está basada en una leyenda medieval sueca que tiene por nombre El manantial de la doncella.

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La película cuenta la historia de una doncella que parte de su casa para hacer una ofrenda en una iglesia pero por el camino es asaltada y asesinada por tres pastores, que van a pasar la noche a la casa de la doncella donde sus padres, ignorantes de lo ocurrido les acogen, hasta que conocen la verdad y vengan a la hija ultrajada.

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Esta película fue rodada en blanco y negro y está dotada de una gran expresividad, con juegos de luces y sombras deslumbrantes, con una música y un vestuario, que fue nominado para el Oscar de ese año, lo que confiere a esta película una muy singular belleza.

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La película está impregnada de espíritu cristiano, ejemplarizando los padres de la doncella las virtudes de la fe, el temor de Dios, la generosidad y el arrepentimiento, manchado sólo por la venganza por la que en una oración final, pide el padre misericordia.

Wanted de Timur Bekmambetov

Un joven contable que es un verdadero pringado y lleva una vida en la que nada le sale bien descubre que pertenece a una Hermandad de asesinos milenaria, lo que cambia su vida. Como pueden imaginar, con esta fantasmada se puede hacer una buena película de acción, que es lo que dirigió el ruso Timur Bekmambetov con esta película de 2008 que tiene como principales actores a Angelina Jolie, James McAvoy y Morgan Freeman. El éxito fue grande y se ha anunciado una segunda parte que promete ser inclusi más espectacular que esta película titulada Wanted.

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Los efectos especiales son muy buenos y cargados de violencia, pero a veces las situaciones son verdaderamente poco creíbles y no se puede evitar una sonrisa, que se difumina con la siguiente escena de persecuciones de coches o de tiroteos en mitad de Chicago. Por no hablar de la escena del descarrilamiento de una espectacularidad fantasiosa muy efectista.

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La extraña hermandad a la que pertenece Wesley Gibson, que así se llama el protagonista, recibe órdenes "del destino", para matar a alguien, un desconocido, que tiene deudas... Pero al final nada es lo que parece y todo da un giro inesperado que le añade emoción a esta disparatada y entretenida película de acción.