Las crónicas del sochantre de Álvaro Cunqueiro

Desde siempre pensé que el no haber leído más que algunos ariculos periodísticos de mi paisano Álvaro Cunqueiro me creaba una sensación de vacío y de lejanía de la litertura gallega. Era, sin duda, un hueco llamativo en mi lecturas.

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Con el centenario de su nacimiento, que se conmemoró el año pasado, hizo que mis deseos de acercarme a las novelas y cuentos del ilustre mindoniense, siquiera para saciar mi curiosidad, me llevaran a hacerme, tras consultar críticas fiables, con varios títulos, novelas por ahora, de los que este Las crónicas del sochantre, ha sido el primero en ser leído. Continuará Cunqueiro, D. m., apareciendo por estas almenas.

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Esta novela se escribió originalmente en gallego y su traducción al castellano corrió, como siempre a cargo del propio autor. Se terminó de escribir en el verano de 1956 y recibió el Premio de la crítica de 1959. Está escrito en un lenguaje rico, barroco y esmerado que permite recrear la literatura de finales del XVIII en que está ambientada la acción.

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El argumento, que se desarrolla en Bretaña a cominezos de la Revolución francesa es sencillo y cuenta el deirante viaje de un músico, el sochntre, junto con una grupo de muertos, recreando una suerte de Santa Compaña gala y disparatada que recore diversos parajes del noroeste francés y donde el ingenio y la debordante imaginación de Cunqueiro da vida a una retahíla de personajes a cual más divertido e inverosímil.

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Termina este libro con un orteguino "Epílogo para bretones" que cierra este recomendable librito mezcla de Borges y Poncela, aunque sea, en su estilo y originalidad anterior a ellos.

Skyfall de Sam Mendes

La última entrega de la saga Bond, Skyfall, está en cartelera. Como si de un rito se tratara me he acercado a las filas de la sala para adquirir mi entrada y mantenerme fiel al legado de Ian Fleming y a su personaje, con independencia del aspecto que adopte y de los parajes del globo que frecuente. Soy así.

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Una vez más, no ya productores, director, Sam Mendes, actores como el "duro" Daniel Craig (o incluso un repelente Bardem) o especialistas en efectos especiales, sino el mito mismo, no ha defraudado. Y hemos volado de Estambul a Macao, Shangai, Londres y los Highlands, en Escocia. Nuevamente hemos salido vivos de puro milagro de persecuciones, tiroteos, trampas, traiciones y las peligrosas garras de varias féminas explosivas.

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Exhaustos hemos regresado, en nuestras ensoñaciones, a casa donde ni Q, ni M, ni Moneypenny tienen ya un hueco y donde sólo Bond, James Bond, nos mantiene intacta la licencia para soñar.

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Esta entrega me ha parecido especialmente entrañable (sí, no se sorprendan) por el guiño a la tradición, por recuperar el viejo Aston Martin DB5 de los viejos tiempos, los de la URSS y los de Roger Moore y Sean Connery. También por terminar por "métodos tradicionales" con la peligrosa y compleja amenaza cibernética a la que se enfrenta 007 y por dejar un hueco, bien que pequeño, para los sentimientos.

El próspero negocio de la piratería en Africa de Miguel Salvatierra

Como muchos saben siento una verdadera pasión por Africa e intento desentrañar muchos de los misterios que rondan sobre las muchas desgracias que asolan a este continente. Uno de ellos es la piratería que se da en diversos lugares como el Golfo de Guinea y, sobre todo, en Somalia. Buscando pistas di, gracias seguramente a algún recomendable blog, con este libro, editado por Libros de la catarata, de Miguel Salvatierra, periodista veterano y viajero que trabajó casi una década en el ABC, cuyo título ya revelador es El próspero negocio de la piratería en África.

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La lectura de este libro permite hacerse una idea clara de la piratería en Africa, sus entresijos políticos y financieros y las soluciones aplicadas por las naciones asiáticas y occidentales.
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Quizás se eche en falta un análisis prospectivo más audaz y una mayor profundidad en las tramas que desde Europa y la Península Arábiga manejan los hilos de la piratería somalí que tantos beneficios ofrece a algunos businessman que pisan moqueta mientras sus "asalariados" continúan una existencia sin horizonte.

Alfonsina y el mar. Una triste y poética historia.

Hace muchos años que conozco la canción Alfonsina y el mar y he disfrutado de las versiones cantadas por Mercedes Sosa o Pero Guerra, pero pocosabía de su origen y de la triste historia que tiene detrás y que me hace escucharla de otra manera, con más respeto y sabiendo que tras cada estrofa se encuentra la vida atormenatda de una gran poetisa argentina llamada Alfonsina Storni.

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Alfonsina, que llevó una existencia llena de turbulencias y sufría depresiones, se suicidó en el mar del Plata en 1939. El día anterior envió un poema a su hijo, a un amigo y al diario La Nación que decía así:

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Dientes de flores, cofia de rocío, manos de hierbas,
tú, nodriza fina, tenme puestas las sábanas terrosas
y el edredón de musgos escardados.
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Voy a dormir, nodriza mía, acuéstame.
Ponme una lámpara a la cabecera, una constelación,
la que te guste, todas son buenas; bájala un poquito.
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Déjame sola: oyes romper los brotes,
te acuna un pie celeste desde arriba
y un pájaro te traza unos compases
para que te olvides. Gracias…
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Ah, un encargo, si él llama nuevamente
por teléfono le dices que no insista, que he salido…”
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Abajo pueden ver una versión cantada por Pasión Vega.

La letra de esta canción, que incluye refrencias al último poema de Alfonsina, es de los argentinos Ariel Ramírez y Félix Luna dice así:

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Por la blanda arena que lame el mar

su pequeña huella no vuelve más

un sendero solo de pena y silencio llegó

hasta el agua profunda.

Un sendero solo de penas mudas llegó

hasta la espuma.

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Sabe Dios qué angustia te acompañó

qué dolores viejos calló tu voz

para recostarte arrullada en el canto

de las caracolas marinas la canción que canta

en el fondo oscuro del mar la caracola.

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Te vas Alfonsina con tu soledad

¿qué poemas nuevos fuiste a buscar?

Una voz antigua de viento y de sal

te requiebra el alma y la está llevando

y te vas hacia allá como en sueños dormida,

Alfonsina vestida de mar.

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Cinco sirenitas te llevarán

por caminos de algas y de coral

y fosforescentes caballos marinos harán

una ronda a tu lado y los habitantes

del agua van a jugar pronto a tu lado.

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Bájame la lámpara un poco más

déjame que duerma nodriza, en paz

y si llama él no le digas que estoy

dile que Alfonsina no vuelve,
y si llama él no le digas nunca que estoy
di que me ido.

Los siete pilares de la sabiduría de Thomas E. Lawrence

Hace más de una año que compré este libro y más de una década que tenía la firme intención de leerlo y por fin me decidí y disfruté de él. Los siete pilares de la sabiduría, el más conocido libro de Thomas E. Lawrence, más conocido como Lawrence de Arabia, es una lectura obligada para los interesados en acercarse al mundo árabe, a la Guerra irregular o, incluso, a las narraciones de aventuras.

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El volumen que leí está editado por Júcar y la edición tiene, además de numerosos errores tipográficos, un par de defectos que perjudicaron en cierta medida el disfrute pleno de la lectura. El primero es un traducción mediocre, es perfectamente entendible pero el empleo de terminología militar y a veces la más común están traducidas mal, aunque se entiende bien. El segundo defecto, y no menor, es la carencia de mapas que son necesarios para seguir la lectura de una campaña militar en la que se recorrieron millares de kilómetros. 

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Aún así ha merecido la pena acercarse de primera mano a la aventura militar más conocida de la guerra en el desierto y a los albores a la guerra de guerrillas en el siglo XX. Lawrence narra con el mismo ritmo que vivió lo que cuenta su percepción de la guerra, de la amistad, del esfuerzo y el sufrimiento, de la crueldad y el sentido del deber de las tribus árabe con las que vivió y combatió contra un ejército turco que nunca sale bien retratado, apareciendo como una mezcla de cobardía, estupidez y crueldad.
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La conquista de Damasco y el final de la I Guerra Mundial en Oriente Próximo son también el final de este libro que supuso también el fin de la gloria, de la vida pública y heróica de su autor.

La huérfana de Jaume Collet-Serra

El director español pero afincado en California Jaume Collet-Serra dirigió una película de terror titulada La huérfana, y sólo con el título ya se le ponen a uno los pelos como escarpias. A mi me gustan las películas de terror, cuando hay algún sobresalto, cuando el terror nace de la acción de los hombres, o mujeres, como en este caso, malos o incluso muy malos. Pero no me gusta cuando es un terror sobrenatural, ya que para esto prefiero leer los libros del Padre Amorth, que están basados en hechos reales y del autor me fío más que de los directores de la saga Poltergeist, por poner un ejemplo.

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Una familia aparentemente feliz, ya saben que estas apariencias son siempre engañosas, decide adoptar una hija ya que han perdido a una hija. Durante la película se nota que algo hay oculto y que prefieren no contarse o recorrdar. Algo sobre una charca cercana, unos sueños, un niño no nacido... Algo oscuro que se reserva el director para poder darnos sustos durante las dos horas de película.

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La actuación de los niños es memorable, en especial la de Esther, la malvada protagonista, encarnada por Isabelle Fuhrman, que tenía entonces doce años.

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La película es, por ser de terror más o menos previsible y queda la intriga de despejar qué es aquello que se sabe que pasó y nadie cuenta, hasta que al final, en un giro todo se aclara en un aquelarre de sangre y sorpresas, no exento de cierto interés científico.

España es nuestra

El cordobés romano Lucio Anneo Séneca decía que "Nadie ama a su Patria porque sea grande sino porque es suya"

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España es una nación en construcción, con profundas raices en una historia común plena de grandezas y miserias como las de todas las naciones del mundo.

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La crisis que atravesamos, no sólo económica, nace de un olvido: el de nuestras raíces, el de nuestra historia, el de todo aquello que nos hace grandes cuando, unidos, nos ponemos al mundo por montera.

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Por ello, hoy, 12 de octubre, día del Pilar, Patrona de la Guardia Civil y de la Hispanidad, felicito a todos los españoles que lo sean, que se sientan herederos de siglos de historia, que sean capaces de sentirse españoles incluso con la prima de riesgo por las nubes o con unos miles de barceloneses gritando su gran engaño.

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No importa. España, hoy, somos tu y yo y lo celebramos con orgullo, trabajando y mirando al futuro que entre todos vamos a seguir construyendo, porque España es nuestra.

Los idus de marzo de George Clooney

George Clooney dirigió esta su quinta película, presentada en 2011, en la que además era uno de los actores principales, en el que Ryan Gosling encarna al protagonista de este interesante película que lleva por título Los idus de marzo y en la que se recrea en clave norteamericana, libre y actual los acontecimientos en que Julio César fue asesinado como resultado de una trama política.

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La trama se desarrolla durante la fase final de una campaña electoral para las primarias del partido demócrata en Ohio. Se ha de conocer, al menos levemente el sistema peculiar y abierto de elecciones primarias dentro de cada partido previo a la elección del candidato que cada partido mayoritario en Estado Unidos presentará a las elecciones presidenciales el noviembre de cada 4 años.

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Las luchas en pos de los no siempre limpios intereses personales, el juego sucio, la venganza y el chantaje dentro de cada partido hacen que los resultados políticos, las propuestas, las promesas y los liderazgos estén infectados por una serie de pecados originales que los hacen, a pesar de sus apariencias, mezquinos cuando no inmorales.

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Viendo esta película que retrata, quizás exagerada pero no falazmente, los entresijos de la, abierta y ciertamente democrática, política americana, viene a la memoria la reciente sentencia del juez Pedraz, polémica, por hablar de la "convenida decadencia de la clase política en España" que ha sido anatemizada (sólo) por los políticos de este sistema  nuestro de listas cerradas, nombramientos a dedo y nepotismo, y no puede uno evitar esbozar una sonrisa, no complaciente sino irónicamente lastimera...

Blancanieves de Pablo Berger

La obra de los alemanes hermanos Grimm, autores de cuentos tan famosos como Cenicienta, Caperucita roja, Hänsel y Gretel o la Bella durmiente, ha sufrido innumerables versiones con una amplia panoplia de originalidad, gusto y calidad. La última versión, esta vez cinematográfca, tiene acento español, se trata de Schneewittchen, publicado en 1812 y conocida en español como Blancanieves.

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No podemos zafarnos de la influencia visual que en la difusión de este cuento hizo la factoría Disney en 1937 y que hace que, seguramente, muchos indocumentados sitúen o, al menos, toman como única referencia, en el haber de la empresa americana una historia que realmente hunde sus raíces en la Baviera de los 1740s.

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El español Pablo Berger, brillante director de escasa producción cinematográfica, ha firmado la adaptación del guión y la dirección de esta película taurina, flamenca y españolísima que ha entrado, con merecimiento, en el limitado elenco de las grandes obras de arte proyectables.

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Rodada en blanco y negro pero con una luminosidad desbordante, muda pero con la perfecta sincronía de una banda sonora extraordinaria y con la participación unos actores que han sabido dar el verdadero sentido a esta película original y espléndida que añade a la moraleja original de los Grimm, una muy hispana visión cainita de las relaciones humanas y que constituye, en definitiva, un grandioso espectáculo visual y sonoro que merece la pena ser visto.

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Inma Cuesta, la madre de Blancanieves, aparece al comienzo de la cinta aportando el arquetipo de la belleza   española. La veterana Ángela Molina, la abuela, ofrece el contrapunto maternal en esta historia cruel. Maribel Verdú en su papel de madrastra, aparece deslumbrante con la rara hermosura de la maldad. La joven Macarena García, Blancanieves, borda su papel con una delicada belleza casi sobrenatural. Finalmente, la niña Sofía Oria, de diez años, en el papel de Carmencita, futura Blancanieves, llega a emocionar por la expresividad y trágica naturalidad que imprime en la historia, cerrando el círculo femenino de esta película tan singular, tan bella, tan nuestra que, sea cuando sea, hay que ver.

Saló o los 120 días de Sodoma de Pier Paolo Passolini

Esta película es ya antigua, se estrenó, con gran escándalo, en 1975 tras la dirección del siempre polémico y genial Pier Paolo Passolini, ensayista, poeta, escritor y, en su última fase creativa, director de cine. Además era conocida su filiación comunista, si bien mantenía posturas discrepantes con el PCI. Dirigió 26 películas, algunas de ellas documentales, cortos o fragmentos de otras películas. 'Saló o los 120 días de Sodoma', fue la última y no pudo asistir a su estreno ya que fue asesinado días antes.

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Fue censurada en varios países, incluida la propia Italia, por incluir escenas de torturas, actos sexuales explícitos, coprofagia, relaciones homosexuales y toda una serie de perversiones, algunas de ellas repugnantes, que no fueron admitidas por críticos ni por las autoridades.

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La historia, una fábula dura que incluye escenas de muy dudoso gusto, cuanta la historia de cuatro señores poderosos, durante la República de Saló, al norte de Italia al final de la II Guerra Mundial, que retienen a un grupo numeroso de jóvenes de ambos sexos para poder llevar a cabo todas las aberraciones que les parezcan oportunas, con el fin de terminar asesinando a todos al final.

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Se ha especulado mucho sobre el significado de esta cinta y sobre la experiencia personal de Passolini durante la República de Saló de la que fue "ciudadano" cuando tenía 23 años. La película nos muestra, en clave de impactante metáfora, el sádico abuso de poder de los gobiernos y de los aparatos del poder y la consecuente sumisión del pueblo que se limita a ser víctima de este gran sistema. Se dice también que la voluntad e Passolini era moralizante, digamos, "por saturación" pretendiendo causar rechazo a tanta depravación. Muchas de las claves de esta película se han ido con Passolini a la tumba. Quizás nunca se sepa como tampoco la autoría del asesinato, aún por desvelar, de este director que hizo, según algunos críticos católicos, la mejor película evangélica con El Evangelio según San Mateo en 1964.

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Yo les recomiendo que NO vean esta película y que no se dejen llevar, como fue mi caso, por la curiosidad ya que poco se puede sacar de esta película que les puede, de alguna forma, dañar.

El día de la Bestia de Álex de la Iglesia

Un sacerdote, doctor en Teología, ha descubierto estudiando el Apocalipsis que la fecha en la que nacerá el Anticristo: el 25 de diciembre de 1995 y en Madrid. Ese es, precisamente, El día de la bestia. La única forma que encuentra de alcanzar la Salvación del mundo es matándolo para lo cual ha de invocar, previamente al Demonio, por ello decide invocarlo para lo que se junta con el presentador de un programa sobre "lo oculto" y un drogadicto dependiente de una tienda de discos de música heavy metal.

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Con este argumento disparatado y mezcla de comedia bufa y teatro del absurdo, con actores como Álex Angulo, interpretando el papel de Don Ángel, el cura, o Santiago Segura, muy en su papel, Álex de la Iglesia construyó, allá por 1995, una película hilarante, gamberra y disparatada, aunque con escenas memorables como la huida a través del letrero luminoso en la Gran Vía.

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Esta película que fue nominada para catorce premios Goya de los que obtuvo seis, incluidos el de mejor director y el de mejor actor revelación, para un Santiago Segura que, con 30 años, participaba entonces en su quinto largometraje.

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Esta es una película de Álex de la Iglesia y lleva su firma indeleble que, con la ayuda del reparto, de buenos efectos especiales y del guión, resulta una película entretenida y que arranca alguna carcajada. No obstante, el hecho que la nominaran para catorce goyas, da una imagen del cine español de aquellos años.

Misión olvido de María Dueñas

María Dueñas, profesora murciana se hizo famosa por su novela "El tiempo entre costuras" que fue uno de los mayores éxitos editoriales españoles de las últimas décadas. Por ello crítica y lectores esperaban su segunda novela para confirmar la maestría de Dueñas en la literatura española y europea (recordemos que su primera novela fue traducida a 30 idiomas). La espera terminó hace aproximadamente un mes con la publicación de su novela Misión Olvido, que está siendo, nuevamente un éxito de ventas por el empuje de su éxito inicial y, evidentemente, por la continuidad en la calidad literaria de su nueva obra.

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La mujer despechada que encuentra un nuevo amor, amistad o razón para continuar en el día a día, vuelve a ser la protagonista de esta novela que se libra en diversos escenarios físicos y temporales. En Estados Unidos en los años 40 y en la actualidad y en España, Madrid y Cartagena, en diversas épocas, principalmente en los años 50.

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La historia es consistente y creíble, desde el ambiente universitario americano; homenajea, en cierto modo, a los exiliados en los EEUU, esa tercera España, que se dedicó a la docencia universitaria en ese país y más en concreto a Raúl J. Sénder, comunista reconvertido cuya obra se reedita al rebufo de María Dueñas. El retrato chusco de la España de 1950 es demasiado previsible y quizás le resta originalidad a un conjunto muy bien tratado que confirma a Dueñas como una de las grandes de la literatura española del siglo XXI.

La conversación de Francis Ford Coppola

Tras Patton y El Padrino, Francis Ford Coppola, el gran director americano, dirigió en 1974 una película titulada La conversación, cinta premiada con la Palma de Oro en Cannes ese año y nominada a 3 Óscar a la mejor película, y el mejor sonido y guión original, de los que no recibió ninguno.

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Gene Hackman y un jovencísimo Harrison Ford son parte del reparto que ofrecen un resultado más que aceptable.

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El argumento, gira en torno a Harry Caul, un reputado especialista en escuchas, un detective privado que emplea técnicas muy modernas y que trabaja para grabar una conversación que descubre una relación entre dos personas y por la que le pagan una fuerte suma. Pretende mantenerse estrictamente en el ámbito técnico, pero es incapaz de zafarse de pensar en las consecuencias que su trabajo pueda ocasionar en las personas sobre las que trabaja, verdaderos desconocidos para Harry y acaba atormentándose por ello y decide continuar con el caso a posteriori hasta un final sorprendente y genial.

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El retrato de la angustia y la duda moral de Harry y de las consecuencias que este estado le causa fue lo que le valió a Hackman su nominación al Oscar. La conversación es una película memorable y que merece la pena ver y disfrutar.

Syriana de Stephen Gaghan

El poco prolífico director norteamericano Stephen Gaghan dirigió en 2005 esta película inspirada en la historia real, contada en su libro  de un agente de la CIA, especializado en Oriente Próximo llamado Robert Baer a quien encarna un brillante, y entrado en carnes, George Clooney, trabajo por el que recibió el Oscar al mejor actor, un Globo de oro y un BAFTA británico.

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Syriana, es una película en la que se muestran tres historias aparentemente inconexas. La de un asesor financiero que trabaja para un Príncipe saudí, la de un grupo de jóvenes que son aleccionados en la yihad, mediante escenas rodadas exclusivamente en árabe, y la de Bob Baer y sus operaciones, exitosas y fallidas, en el mundo árabe, incluido Líbano, donde se desarrollan parte de estas actividades clandestinas.

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La superposición de historias puede resulta farragoso o enrevesado para el espectador poco avisado o que vaya a ver una película de acción sencilla. Esta película es compleja y puede dejar cabos sueltos porque el mundo del espionaje es así... y Oriente Próximo es más complejo aún y sin conocer someramente las frágiles alianzas o las movedizas líneas rojas que imperan en esta parte del mundo, es difícil situarse.

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Syriana es una gran película de espías, compleja y real como la vida clandestina y el mundo árabe.

La chispa de la vida de Álex de la Iglesia

Para un admirador del José Mota humorista se le hace raro encontrarse a un José Mota serio y haciendo el papel protagonista en esta película, La chispa de la vida, dirigida, nada menos, que por Álex de la Iglesia, ese filósofo que dirige películas, algunas realmente memorables. Esta no quedará como una de sus mejores trabajos pero tampoco se contará entre sus gatillazos, ya que si la película cuenta con actores que cumplen su papel con rigor y muy dignamente y el guión es original y excusa para una dura crítica social, el resultado no acaba siendo redondo del todo, quizás por evidente y por que los personajes no son, digamos, del todo creíbles y se quieren abarcar demasiados asuntos en menos de cien minutos.

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Un hombre en paro, desesperado y con la autoestima baja sufre un accidente sobre el que cada uno de los personajes busca su ocasión para no verse salpicado, como en el caso de los políticos, o para obtener un beneficio económico, de notoriedad o que buscan el simple morbo de una muerte en directo.

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Es una caricatura tragicómica de la sociedad española con su telebasura, sus corrupción y donde todo, incluso la vida de un hombre, tiene precio. Al final queda, como veraz moraleja que la familia es el refugio donde toda desgracia tiene su acomodo y su solución cuando se buscan al calor del hogar lejos de los focos y del público.