Historia de un beso de José Luis Garci

José Luis García Muñoz, conocido como José Luis Garci, es un productor, crítico, presentador de televisión, escritor, guionista y director de cine madrileño. En 1983 ganó el primer Óscar para una producción española en la categoría de mejor película de habla no inglesa por Volver a empezar. Ha sido nominado para esta misma distinción otras tres veces, más que ningún otro director de cine español, por las películas Sesión continua (1984), Asignatura aprobada (1987) y El abuelo (1998). Es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood y de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En resumen, el mejor cineasta español hasta la fecha. Esta película que hoy se presenta fue estrenada en 2002, protagonizada por Alfredo Landa, Ana Fernández y otros veteranos actores españoles. Fue nominada a 7 premios Goya no ganando ninguno.

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Historia de un beso nos sitúa en el invierno de 1949, en el pequeño pueblo asturiano de Cerralbos de Sella, donde acaba de morir su vecino más ilustre, el gran escritor Blas Otamendi. Su sobrino Julio, que es profesor en Francia, regresa a su pueblo natal para asistir al entierro. El reencuentro con los viejos amigos de su tío, la antigua criada y la casona familiar de "Llendelabarca", en la que de niño vivió con el escritor, despiertan en Julio recuerdos de la infancia. saltando la acción, siempre sosegada y costumbrista entre 1949 y 1925 cuando Otamendi encuentra un amor a quien dedica un libro titulado como la película.

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Estamos ante un Garci total. Aquí imperan los diálogos, la puesta en escena, la familia con su tradiciones, recuerdos y costumbres y ese continuo canto a la amistad, a las buenas maneras, a la conversación larga, diversa y respetuosa, en fin, a la vida. Una delicia.

4 meses, 3 semanas, 2 días de Cristian Mungiu

Cristian Mungiu es un director de cine rumano considerado uno de los más importantes exponentes de la Nueva ola rumana de cine. Hasta la fecha ha dirigido siete largometrajes del que ésta película dramática, de cuyo guión es autor el propio Mungiu, y estrenada en 2007 ha sido su mayor éxito hasta la fecha al obtener en el Festival de Cannes de 2007 la Palma de Oro y el premio de la crítica (FIPRESCI). Además obtuvo el Goya y el César a la mejor película europea junto a otros premios como el de la crítica del de San Sebastián. También fue nominada a los Globos de oro.

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4 meses, 3 semanas, 2 días está ambientada en 1987, en los últimos años del férreo régimen comunista de la Rumanía de Ceaucescu, y narra los problemas de dos estudiantes Otilia y Gabita, que comparten habitación en una residencia y que se enfrentan al embarazo no deseado de Gabita en una época en la que el aborto estaba prohibido por la ley. Las jóvenes acuerdan un encuentro con un tal Mr. Bebe para que le practique un aborto ilegal en la habitación de un hotel.

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La película de una gran dureza y mostrando un mundo frio, gris y deshumanizado por el comunismo, donde la desesperanza y el miedo se unen a la situación siempre trágica de un aborto. Mungiu no se posiciona y permite al espectador sobrecogido que adopte su postura ante una película que no juzga ni se ensaña con Gabita ni su amiga, sino que nos producen mucha compasión, por ello, es perfectamente válida la lectura provida de esta gran película.

Nuevo orden de Michel Franco

Michel Franco es un guionista, productor y director de cine mexicano. Como director ha dirigido hasta la fecha seis largometrajes con los que ha obtenido diversos premios en los festivales de Cannes y San Sebastián. Este que hoy se presenta es su último largometraje, estrenado en 2020 y obtuvo el gran premio del jurado en el festival de Venecia de 2020.

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Nuevo orden es una distopía que señala cómo en la segunda década del siglo XXI, la brecha entre clases sociales en México es cada vez más marcada. La acción empieza en una boda de la alta sociedad mejicana, en la que todos los invitados son blancos, interrumpida por un grupo de alborotadores armados y violentos que forman parte de un levantamiento aún mayor de los más pobres de Méjoco DF, todos ellos de rasgos indígenas, y que toman a varios de los invitados como rehenes. En esta situación de caos y confusión, el ejército mexicano, corrupto e indisciplinado, utiliza el desorden provocado por los disturbios para controlar la situación y, posiblemente, hacerse con el poder.

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Esta película de fuerte carga visual y escenas de una violencia extrema, señalan una posibilidad de levantamiento entre clases, pero también entre razas. Es también una reflexión sobre el poder y las masas empobrecidas en muchos países del mundo, en especial en nuestras naciones hermanas de América. Uno de los éxitos de esta película, que los mejicanos han entendido mejor que el resto y que ha causado mucha polémica y que le ha valido a Franco el ser acusado de racista, nos sitúa ante la duda de si es esta situación, u otra similar, posible en Europa y, más en concreto en España. El debate y la polémica están servidas, a Vd sólo le queda ir al cine con la advertencia doble: es una gran película y puede no gustarle e incluso producirle rechazo.

Cafarnaúm de Nadine Labaki

Nadine Labaki nació en 1974 y es una actriz y directora de cine cristiana libanesa. Es una de las directoras más conocidas en la industria de los videoclips árabes que ha dirigido hasta la fecha algún trabajo para televisión y cuatro largometrajes, de los que ya pasó por estas garitas ¿Y ahora a dónde vamos?, además, ha participado como actriz en otros diez largometrajes, incluyendo este que hoy se presenta, estrenado en 2018 y que fue nominada al Oscar, BAFTA y Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa de ese año, obteniendo el Premio del Jurado, en la sección oficial a concurso del Festival de Cannes. Dotada de una fotografía efectiva, un guión muy potente, una puesta en escena veraz y efectista, contó para su éxito con las portentosas actuaciones de los niños, en especial del protagonista, Zain Al Rafeea un refugiado sirio de sólo 14 años que retrata en la ficción una vida muy parecida a la suya real.

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Cafarnaúm nos cuenta la vida de Zain, un niño de 12 años de los barrios marginales de Beirut, que cumple una condena de cinco años en prisión por apuñalar a un hombre. Ni Zain ni sus padres saben su fecha exacta de nacimiento, ya que nunca recibieron un certificado de nacimiento oficial. Zain es llevado ante un tribunal, después de haber decidido emprender acciones civiles contra sus padres. Cuando el juez le pregunta por qué quiere demandar a sus padres, Zain responde «porque nací», expresando que ellos son los principales responsables de su dura infancia y de su vida conflictiva y caótica. Mientras tanto, las autoridades libanesas procesan a un grupo de trabajadores inmigrantes ilegales, incluida una joven etíope llamada Rahil, madre de un bebé que se convertirá, por pura casualidad, en el compañero inseparable de Zain.

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Esta es una película enorme, grandiosa, dura, tierna, divertida y terrible. Todo a la vez porque así es la vida en las calles de Beirut. Es una película que hiere, sobre todo porque la situación no es sólo realista, sino real. Labaki hace un trabajo prodigioso... y además me dan unas tremendas ganas de volver a esa ciudad maravillosa y terrible que es Beirut.

30 monedas de Alex de la Iglesia

Álex de la Iglesia es un filósofo de Bilbao que en sus ratos libres hace cine, como guionista, productor o director. Desde estos matacanes hemos lanzado películas suyas como El día de la bestia, Las brujas de Zugarramurdi, La chispa de la vida, El bar, Balada triste de trompeta o Perfectos desconocidos. Álex, con sus altibajos y su desternillante gore es, en mi opinión, uno de los grandes del cine español. Con este trabajo Álex de la Iglesia da el salto al mundo de las series. Estrenada en 2020, de ocho episodios, presenta un reparto en el que destacan Eduard Fernández o Macarena Gómez, entre otros y unos impresionantes efectos especiales muy bien ejecutados. El guión del propio director transcurre en Pedraza, Segovia, fundamentalmente.

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30 monedas de plata cobró Judas por traicionar a Jesucristo. 2000 años más tarde, una de ellas aparece en un pueblo remoto de España, desencadenando una serie de fuerzas sobrenaturales que amenazan con destapar secretos del Vaticano y aniquilar a la raza humana. En medio de todo estará el padre Vergara, un exorcista, boxeador y ex convicto exiliado en una parroquia del pueblo donde aparece la moneda. Vergara quiere olvidar y ser olvidado, pero sus enemigos, que son los de todos, lo encontrarán muy pronto... Cuando Vergara es relacionado con una serie de fenómenos paranormales ocurridos en el pueblo, Paco, el ingenuo alcalde, y Elena, una inquieta veterinaria, tratarán de desvelar los secretos de su pasado y el significado de la antigua moneda que Vergara mantiene oculta.

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Álex de la Iglesia nunca decepciona, tampoco esta vez. Con su habitual tono entre trágico, terrorífico y cómico, la serie discurre a un ritmo trepidante. Otra cosa que hay que agradecer a Álex es que podría haber colado fácilmente mensajes anticlericales, pero no lo hace y deja a la Iglesia católica al margen de toda polémica en medio de una historia de satanismo bastante bien cuajada y urdida.

Becket de Peter Glenville

Peter Glenville fue un director y actor de cine y teatro inglés. Nació en Londres en 1913 y murió en 1996 en Nueva York. Sus padres eran actores de teatro. Dirigió siete largometrajes de los que este que hoy se presenta ha sido, sin duda su mayor éxito. Estrenada en 1964 y protagonizada por Richard Burton y Peter O'Toole, fue nominada para 12 Oscar de los que ganó el de mejor guión adaptado; también fue nominada para cinco Globos de Oro, de los que obtuvo el de mejor película y mejor actor, para Peter O'Toole; también fue nominada para siete BAFTA de los que ganó los de mejor fotografía, mejor dirección artística y mejor vestuario.

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Becket nos cuenta la vida y muerte de Santo Thomas Becket, en la Inglaterra del siglo XII. Escenario de los enfrentamientos entre Enrique II Plantagenet, rey de Inglaterra, y Thomas Becket, que llegó a ser canciller y después arzobispo de Canterbury, desde 1162. Las desavenencias entre ambos, que fueron intimos amigos y compañeros de juergas y correrías, comienzan cuando en 1164 con la llamada Constitución de Clarendon, por la que el rey lleva a cabo una reforma del sistema judicial que reduce substancialmente las prerrogativas de la Iglesia. El enfrentamiento lleva a Becket ante un dilema moral y a un compromiso por cuyo cumplimiento alcanza el martirio.

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Dotada del sonido y la escenografía de los años 1960s, es decir hace caso sesenta años, resulta de una estética poco acostumbrada hoy en día lo que le priva de la frescura narrativa y de unas interpretaciones magistrales que hacen de ésta una de las grandes películas históricas del siglo XX.

El padre de Florian Zeller

Florian Zeller es un escritor francés quien tras publicar cinco novelas pasó a dedicarse, fundamentalmente al arte dramático, habiendo escrito y llevado a las salas doce obras de teatro y una ópera. Finalmente, en 2020 decidió llevar a la gran pantalla una de sus más aplaudidas obras de teatro estrenada en 2012. La película que hoy de presenta es este primer y, por ahora, único largometraje de Zeller, que ha cosechado unas muy buenas críticas y ganado premios, como el del público en el Festival de San Sebastián. La película, intimista, pone en escena a un anciano y absolutamente genial Anthony Hopkins.

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El padre nos cuenta la vida de Anthony que es un hombre de 80 años mordaz, algo travieso y que tercamente ha decidido vivir solo, rechaza todos y cada uno de las cuidadoras que su hija Anne intenta contratar para que le ayuden en casa. Está desesperada porque ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar y se desconecta cada vez más de la realidad. Anne sufre la paulatina pérdida de su padre a medida que la mente de éste se deteriora, pero también se aferra al derecho a vivir su propia vida.

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Esta es una película genial, muy probable candidata a varios grandes premios en este 2021. El guión y la dirección tienen la habilidad de confundir al espectador haciéndole sentir las mismas sensaciones que sufre Hopkins o cualquier enfermo de Alzheimer. 

Millennium I, II y III de Niels Arden Oplev y Daniel Alfredson

Daniel Alfredson y Niels Arden Oplev son los directores de la saga de largometrajes Millennium compuesta de tres películas de las que Arden dirigió sólo la primera y Alfredson la segunda y tercera, pero manteniendose fieles a las novelas de Stieg Larsson y manteniendo los mismos protagonistas, Michael Nyqvist y Noomi Rapace. Ambos son directores de cine suecos, Arden dirigió nueve largometrajes y se ha dedicado más a serie de televisión y Alfredson ha dirigido hasta la fecha 18 largometrajes y alguna serie de tyelev isión, entre las que se encuentra la adaptación de las nolevas que dan origen a estas películas. Las tres películas que están relacionadas y son continuación unz de otra, conservan los títulos de las novelas de Larsson y son estos: Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres, Millennium 2: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina y Millennium 3: La reina en el palacio de las corrientes de aire.

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Millennium es una revista que hace periodismo de investigación. Un rico industrial llamado Henrik Vanger contrata al periodista Mikael Blomqvist para que averigüe qué fue de su sobrina Harriet, que desapareció sin dejar rastro hace 40 años. La investigación le lleva a entablar una relación profesional con la hacker Lisbeth Salander, una joven extraña que oculta una tragedia de su infancia. En la segunda ente<rga de Millennium, Lisbeth Salander es buscada por la policía, tras verse envuelta en el asesinato de dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia. Sin embargo, Lisbeth es más un ángel vengador que una víctima indefensa, y arremete con justa ira sobre los que la han herido. En el desenlace de la tercara entrega, la tensión se dispara. Tras el agónico final de La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, puede que Lisbeth Salander haya sobrevivido a ser enterrada viva pero sus problemas están lejos de haber acabado. Está acusada de triple asesinato y fuerzas poderosas intentan silenciarla de una vez por todas. Mientras, Michael Blomkvist escarba en su oscuro pasado y pronto encuentra sus huellas.

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Las tres películas mantienen el ritmo y la tensión con efectos especiales muy impactantes y actuaciones convincentes. El guión de Larssen, bien construido, permite mantener el hilo argumental de las tres películas que ofrecen una momento de entretenimiento de buen cine con alguna escena de cierta crudeza.

Todas las criaturas grandes y pequeñas de Andy Hay, Brian Percival y Metin Hüseyin

Andy Hay, Brian Percival y Metin Hüseyin son tres directores de cine británicos que han trabajado sobre todo en trabajos para televisión, en especial series como esta que hoy se presenta presentada en 2020, remake de la serie aparecida entre 1978 y 1990, esta vez compuesta por seis episodios. Está rodada en los maravillosos valles de Yorkshire y con una puesta en escena y un vestuario que hace del trabajo final un producto elegente y muy agradable de ver.

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Todas las criaturas grandes y pequeñas se centra en las aventuras del equipo de una clínica veterinaria en los años 30 y 40 en Yorkshire. El excéntrico Siegfried Farnon decide contratar al recién licenciado James Herriot como ayudante en su consulta veterinaria en Skaldale House, Darrowby, un pequeño pueblo aislado y ubicado en los valles de Yorkshire. Junto a ellos, encontramos a Tristan, el pícaro hermano pequeño de Siegfried; la adorable Helen, hija de un granjero de la zona; y la Sra. Hall, discreta y adorable ama de llaves de la mansión. 

En esta serie se respira aire puro, todo llama a la bondad y la alegría mientras la vida pasa lentamente, inmerso, imagino, en el olor a mierda de vaca y adornado con las buenas intenciones de sus protagonistas que viven en un paraíso ajeno al resto del mundo, donde el parto de una vaca en más importante que cuanquier otro acontecimiento nacional o mundial que pueda haber. Es un canto, quizás algo ingenuo a la vida en el campo y a la bondad de gente, incluso de los británicos.

La edad de la inocencia de Martin Scorsese

Martin Scorsese es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense, de origen italiano, nacido en Nueva York. Su carrera abarca más de cincuenta años y es considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. Tiene en su haber múltiples galardones, incluyendo un Óscar, tres Globo de Oro, dos BAFTA. Ha pasado por este baluarte con motivo de sus películas El Irlandés, Taxi driver, Shutter Island y El lobo de Wall Street. La película que se muestra hoy fue estrenada en 1993 y protagonizada por Daniel Day-Lewis y Michelle Pfeiffer, dispuso este film de un notable elenco de secundarios. La película fue un gran éxito aunque no se viera plenamente correspondida en los premios, ya que fue nominada para cinco Oscar de los que recibió sólo uno, al mejor vestuario. También fue nominada para cuatro Globos de Oro de los que obtuvo unos a la mejor actriz secundaria, para Winona Ryder y otras cuatro nominaciones para los BAFTA de los que obtuvo también uno, a la mejor actriz secundaria, esta vez para Miriam Margolyes.

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La edad de la inocencia nos sitúa en el Nueva York del año 1870. Newland Archer, un caballero de la alta sociedad neoyorquina, está prometido con May Welland, una joven de su misma clase social. Pero sus sentimientos cambian cuando conoce a la poco convencional prima de May, la condesa Olenska. Desde el principio, defenderá la difícil posición de la condesa, cuya separación de un marido autoritario la ha convertido en una especie de proscrita dentro de su propia clase social.

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La película recrea la novela de Edith Wharton, con una compleja trama de amores prohibidos, problemas morales y sociales de la incipiente burguesía norteamericana sobre la que Scorsese hace una genial caricatura que no deja a nadie indiferente.

Senderos de honor de Saul Dibb

Saul Dibb es un director de cine británico que ha llevado a la gran pantalla cuatro largometrajes hasta la fecha. Este último ha tenido un discreto papel ante la crítica y el público. Por este baluarte pasó su Suite francesa, que sí fue todo un éxito, La película que se presenta hoy fue estrenada en 2017, para su rodaje se contó con una puesta en escena y ambientación excelentes y unas buenas interpretaciones de los, para mi desconocidos, Sam Claflin y a Asa Butterfield en los papeles protagonistas. El guión se basa en la novela autobiográfica Journey's end escrita en 1928 por Robert C. Sherriff.

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Senderos de honor (título discutible en español para poner la cinta a la sombra de Kubrick...) nos sitúa en el frente de Flandes, posiblemente en Francia, en marzo de 1918, durante la I Guerra Mundial. Un joven oficial se incorpora a la compañía C de un determinado batallón del ejército británico que está desplegado en las fontificaciones de la primera línea del frente. Esta compañía está bajo el mando del exhausto capitán Stanhope, a quien conoce el recién llegado. El ambiente entre los oficiales de la compañía está enrarecido y el agrio carácter del capitán y su afición al alcohol no ayuda y menos a pocos metros de la línea enemiga y ante una inminente ofensiva alemana.

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La película resulta impactante y efectista, resulta creíble en todo momento y sus personajes están delineados con trágica precisión. Intimista y brutal a un tiempo retrata la dura vida en las trincheras, la enorme separación entre oficiales y tropa en el ejército británico y el rápido proceso de madurez, casi instantáneo, del joven y bisoño oficial.

Wind river de Taylor Sheridan

Taylor Sheridan es un guionista, director y actor estadounidense. Ha sido actor en cerca de 30 películas y series de televisión. Como director ha dirigido el largometraje que hoy se presenta, estrenado en 2017 y por el que recibió el premio al mejor director en el festival de Cannes. Fue además el guionista del extraordinario thriller Comanchería. Rodado en el espectacular escenario de la reserva india que da nombre a la película en el estado de Wyoming.

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Wind river nos cuenta la investigación para esclarecer la muerte de una joven india arapahoe. Para ello llega a la zona una joven agente del FBI, superada por el entorno y sus condiciones por lo que busca la ayuda de un veterano cazador, agente de medioambiente local y experimentado rastreador que conoce los secretos de la montaña y de la población de la reserva.

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Rodado como un verdadero y gélido thriller y a la vez un western, mantiene la tensión hasta el final. Con un toque de Sam Peckinpah o Tarantino que deja su dosis de necesaria violencia en el género y nos pone ante el salvaje oeste del siglo XXI donde el gatillo fácil y las jurisdicciones confusas hacen el resto, junto con notables interpretaciones para tener una gran película.

Patria (serie) de Aitor Gabilondo

Félix Viscarret y Óscar Pedraza han sido los directores de la serie que da vida a la novela homónima de Fernando Aramburu. Son directores españoles con experiencia en la dirección de series para televisión. Aitor Gabilondo es el guionista donostiarra creador de la obra y encargado de la adaptación de la novela, lo que, a decir de quienes han leído la novela, resulta muy fiel. La serie ha sido producida por la plataforma HBO. La ambientación, delineación de los personajes y el ritmo de la trama, con frecuentes flashbacks, resultan sorprendentemente efectivas. Son especialmente destacables las interpretaciones en los papeles protagonistas de Elena Irureta, en el papel de Bittori, la viuda de Txato y Ane Gabarain en el papel de Miren Uzkudun, la madre de uno de los etarras.

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Patria narra las consecuencias del terrorismo a través de la vida de dos familias que un día fueron inseparables y que representan las dos caras de esta moneda. Bittori y Miren eran muy amigas, pero su relación cambia para siempre después de que Txato, el marido de Bittori y empresario vasco, sea asesinado en la puerta de su casa. A partir de ese día, la vida de su mujer Bittori y sus hijos da un giro completo. Miren, cuyo hijo es miembro de la banda terrorista ETA, rompe la relación con su amiga Bittori. A partir de ese momento el deterioro e intentos de reconstrucción de las relaciones entre ambas familias se entremezclan con el ambiente mortífero y envenenado de la Vasconia de los años 1980s.

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El resultado de esta serie es sensacional. Es un certero e impactante retrato de una sociedad enferma y envilecida, capaz de justificar el asesinato de un amigo. Es una serie que hay que ver, en especial los jóvenes ya que el olvido de que lo que en esta serie aparece fue escalofriantemente cierto y, algún día nos dirán que nada esto sucedió. Más de 800 familias necesitan que la veas.

Irrational man de Woody Allen

Al veterano Woody Allen no hace falta presentarlo, cuando está a punto de cumplir 85 años, ya que desde los años 70 del pasado siglo nos regala puntualmente cada año una película. Cabe recordar que ha ganado cuatro Oscar, de los 23 para los que fue nominado, tres como guionista y uno como director, además de ocho BAFTA, dos Globos de Oro y otros muchos premios cinematográficos, además de un Príncipe de Asturias. Sus seguidores se cuentan por millones y sus detractores también, pero todos esperan, como cada año el regalo de este genio neoyorquino. En 2015 estrenó esta película que hoy se presenta cuyos papeles protagonistas los interpretan Joaquin Phoenix y Emma Stone y con la dirección y guión de Allen.

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Irrational man cuenta la peripecia del profesor de filosofía Abe Lucas quien está emocionalmente por los suelos y es incapaz de encontrar la alegría o el significado a su vida. Al poco de llegar a su nueva universidad en una pequeña ciudad costera de EEUU, Abe se relaciona con dos mujeres: Rita Richards, profesora de química y Jill Pollard, su mejor estudiante, que termina por convertirse en su amiga más cercana. La pura casualidad lo cambia todo cuando Abe y Jill escuchan la conversación de un extraño y se sumergen en lo más profundo de ella. Sólo cuando Abe toma una profunda decisión es capaz de volver a abrazar la vida al máximo.

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Sin ser la mejor película de Allen resulta entretenida ya que está bien contada y mantiene un ritmo adecuado junto con unas buenas interpretaciones. Sin ser una gran película resiste bien los avatares de una tarde lluviosa.

Spotlight de Tom McCarthy

Tom McCarthy es un actor, director y guionista de cine y televisión estadounidense. Comenzó su carrera profesional en 1992, durante estos años ha actuado en numerosas películas y series de televisión, además de dirigir y escribir guiones de películas de gran prestigio internacional. Su principal actividad cinematográfica fue como actor para cine y televisión hasta 2010. A partir de ese momento se dedicó en exclusiva como guionista y director, cosas que ya había hecho con anterioridad, como demuestra la nominación a un Oscar por el guión de Up o la nominación a un BAFTA por el guión de Vías cruzadas en 2004. Pero sin duda, su mayor éxito es esta película que hoy se presenta y por la que fue ganador del Óscar al mejor guion original, el BAFTA por mejor guion original y además de ganar diversos premios más de la crítica.

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Spotlight es un grupo de periodistas de investigación del periódico norteamericano The Boston Globe. En el año 2002, este reducido equipo de reporteros destapó los escándalos de pederastia cometidos durante décadas por sacerdotes católicos de la archidiócesis de Boston y otros lugares del estado de Massachussets. La publicación de estos hechos, que el cardenal Law, de Boston, intentó ocultar, sacudió a la Iglesia Católica como institución.

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La película trata con la suficiente delicadeza estos asuntos turbios, verdaderamente demoníacos, en el seno de la Iglesia norteamericana. Se centra en el trabajo de los cuatro periodistas, el nuevo director del diario, los representares de la Iglesia de Boston y, en especial las víctimas de estos tristes hechos. Difícilmente se puede tratar a esta película de anticlerical ya que todo lo que cuenta es cierto y lo lleva a cabo sin hacer excesiva sangre. Es una buena película.

Torrente 1, 2, 3, 4 y 5 de Santiago Segura

Santiago Segura es un director y actor de cine español con una prolífica carrera que incluye series de TV, director de trece largometrajes y participación como antor en 109, por ahora. Ha ganado tres premios Goya, uno de ellos como mejor director novel por la primera entrega de esta serie. Hoy, frente a lo que suele ser habitual se presentan cinco películas en vez de una como siempre, y es que las películas son de un corte similar y que, aunque tengan un argumento diferente, su desarrollo, gags y tónica general se parece bastante. Otra marca distintiva es que aparecen, además en escenas concretas personajes de actualidad, deportistas, otros actores y cantantes en papeles secundarios. 

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La saga Torrente la componen cinco entregas: Torrente 1: el brazo tonto de la ley de 1998, Torrente 2: Misión en Marbella de 2001, Torrente 3: El protector de 2005, Torrente 4: Lethal Crisis (Crisis letal) de 2011 y Torrente 5: Operación Eurovegas de 2014. En todas ellas Torrente, un policía expulsado del cuerpo lleva a cabo las más extravagantes y ridículas "operaciones de seguridad".

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Las películas son malas, en el sentido de que no hay "gran cine" ni soluciones técnicas sorprendentes, fotografía singular o interpretaciones memorables. Pero han sido un éxito de público porque son tremendamente divertidas, transgresoras, políticamente incorrectas, con un humor tosco y efectivo. No son para todos los gustos pero... yo me tronché de risa.

La clase de esgrima de Klaus Härö

Klaus Härö es un director de cine finlandés. En 2004, ganó el Premio Estatal de Arte de Finlandia. Härö estudió dirección y asistió a seminarios de escritura de guiones en la Universidad de Artes Industriales de Helsinki, a pesar de lo cual es un verdadero desconocido para la gran mayoría del público español a pesar de lo que ya pasó por este Baluarte su deliciosa Cartas al Padre Jacobs. Esta película que hoy se presenta fue seleccionada por Finlandia para los Oscar y nominada para el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa en 2016, año siguiente de su estreno. Cuenta con un guión sencillo bien dirigido e interpretado, incluso por un numeroso grupo de niños que centran el argumento.

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La clase de esgrima nos sitúa a comienzos de los años 1950 en la Unión Soviética donde el joven profesor Endel está huyendo de la policía secreta rusa. Endel, campeón de esgrima, se ve obligado a regresar de Leningrado a su tierra natal, un pueblo de Estonia, donde se convierte en profesor de educación física en una escuela local. Pero su pasado le pone frente a una difícil decisión.

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Esta película está basada en la vida del esgrimista Endel Nelis y está llevada con buen tino y ritmo que la hace agradable y muy apta para disfrutar en familia.

Tenet de Christopher Nolan

Christopher Nolan es un director de cine, guionista, productor y editor británico, nominado en cinco ocasiones al Premio Óscar. En sus películas se tratan con frecuencia temas psicológicos, la memoria o los sueños. Ha dirigido hasta la fecha once largometrajes que han sido grandes éxitos. Su obra más aclamada hasta la fecha ha sido Dunkerque, que ya pasó por este Baluarte. Esta película se estrenó en 2020 y su producción supuso un derroche de efectos especiales.

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Armado con tan solo una palabra –Tenet– el protagonista de esta historia deberá pelear por la supervivencia del mundo entero en una misión que le lleva a viajar a través del oscuro mundo del espionaje internacional, y cuya experiencia se desdoblará más allá del tiempo lineal pudiendo pasar del futuro al presente con cierta facilidad.

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Esta película tiene todos los tics de lo políticamente correcto y eso, de entrada me produce rechazo, porque aparece muy forzado, por ejemplo, protagonista negro (y no es precisamente Sidney Poitier...), mujer líder de una red mundial de tráfico de armas, ... Pero es sobre todo el guión, inicialmente original pero insostenible cayendo finalmente en lo ridículo. Los diálogos supuestamente inteligentes y de "alta gama" son igualmente ridículos y contribuyen a que no se acabe de entender nada. Si comete el error de ir a verla y no se entera, no se preocupe, el problema no es suyo, sino de Nolan y su ridícula y engolada película. Advertido queda.

Padre no hay más que uno de Santiago Segura

Santiago Segura  es un actor y cineasta español, popular por su serie de cinco películas de Torrente. Ha trabajado también, aunque en menor medida, como presentador de televisión, actor de doblaje y guionista de historietas. La película que se presenta hoy que parece querer emular a Torrente conformando una serie de varias entrega, se estrenó en 2019 teniendo como director y actor principal al propio Segura con la curiosidad de que de los cinco niños protagonistas, dos son hijas de Segura.

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Padre no hay más que uno nos cuenta la historia de Javier, que es un hombre que cree saberlo todo, pero no mueve un dedo para ayudar a su mujer en el cuidado de la casa y de sus cinco hijos. Sin embargo, este padre de familia tiene que enfrentarse a la realidad cuando su mujer decide irse de viaje y dejarlo solo con sus hijos. Esta será una experiencia que cambiará las vidas de todos para siempre ya que se producen una serie de situaciones que permitirán a Javier "disfrutar" de sus hijos, añorar a su esposa y perder el trabajo...

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Película sin grandes pretensiones, amable, divertida, tierna y familiar. Los niños hacen un papel más de bueno y esto confiere a la película un plus de calidad. Véanla en familia.

Oficina de infiltrados de Eric Rochant

Eric Rochant es el creador y uno de los directores de esta serie francesa que hoy se presenta. Éxito en Francia de crítica y público. Ha tenido hasta la fecha cinco temporadas sobre la misma trama y personajes que se van complicando cada vez más.

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Oficina de infiltrados nos cuenta la vida de un agente de la Inteligencia Francesa, encubierto en Siria durante 6 años, es llamado de vuelta a casa. Con base en París, la Dirección General de Seguridad Exterior (DGSE), que es el homólogo francés al CNI español, dispone de un departamento clandestino encargado de entrenar y controlar a todos los agentes encubiertos e infiltrados de la DGSE en todo el mundo. Guillaume Debailly conocido dentro del servicio como Malotru, vuelve a la oficina de París después de pasar años en una misión entre Siria y Jordania. A su regreso descubre que le cuesta más de lo que creía adaptarse a su nueva vida, así que, en contra de las reglas de seguridad, opta por no renunciar a la identidad ficticia bajo la que trabajó en Siria, como el escritor y académico Paul Lefevre. Bajo esta misma identidad fue como conoció en Damasco a Nadia El Mansour, una especialista en historia y geografía de Oriente Medio con la que mantuvo una relación y que también está ahora en París. Las cosas se complican para Debailley cuando decide continuar su romance con ella usando la falsa identidad de Lefevre. El asunto levanta sospechas rápidamente dentro de la oficina, llevando la situación mucho más lejos de lo que se podía esperar.

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La serie fue aclamada en Francia, lo mismo que en España, aunque no tuviera la publicidad de otras de mucha menor calidad. El argumento, las técnicas, los procedimientos operativos y de seguridad son veraces, reales y creíbles y se muestran con gran fidelidad operaciones de fuentes, protocolos de seguridad y otras tareas que muestran un buen asesoramiento por parte de los servicios. Excelente.