Deadly waters de Jay Bahadur

El ahora menguante fenómeno de la piratería en aguas de Somalia, llegó a ser la principal noticia de muchos diarios españoles con motivo del apresamiento de barcos pesqueros vascos, el Playa de Bakio y el Alakrana. Estos fueron sólo dos de las decenas de barcos apresados por estas bandas de piratas somalíes que hicieron de la navegación por el Golfo de Adén un negocio caro y peligroso que movió a muchos países, incluida España a desplegar medios militares, aéreos y navales. para la protección de la navegación por estas aguas.

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Este fenómeno siempre se vio narrado y comentado desde el punto de vista de las víctimas, casi siempre occidentales, pero nunca se había prestado oídos a lo que decían y sentían los somalíes tratando de indagar los porqués de sus actividades criminales y, a la vez, gran negocio. El periodista canadiense Jay Bahadur ha dado voz a los piratas y se desplazó a Puntlandia, la región semiautónoma del norte de Somalia en 2011 para documentarse y escribir este libro, Deadly waters, que tiene por subtítulo, "En el mundo oculto de los piratas de Somalia".

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Tras poner al lector en contexto histórico, geográfico económico y social, aunque deje demasiado al margen la extrema importancia de los clanes somalíes, nos introduce en la estructura interna de las bandas piratas, sus relaciones internas y su siempre difusa relación con el poder local.

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El análisis del ataque y cautiverio del barco noruego Victoria, incluyendo la narración por parte de los piratas y de la tripulación apresada es de un gran interés, y muy especialmente el análisis del coste y reparto de beneficios tras la liberación que demuestra cómo la piratería es sólo un gran negocio para algunos que viven muy alejados de las costas somalíes.

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El libro tiene el gran interés de mostrar el lado hasta ahora oculto de este problema y que ofrece claves y explicaciones, que no justificaciones, rara vez oídas anteriormente.

Las flores de la guerra de Zhang Yimou

El director chino Zhang Yimou ya consagrado por películas como Sorgo rojo o Amor bajo el espino blanco ha dirigido la película más cara del cine chino, Las flores de la guerra, basada en la última novela de la escritora, también china, Geling Yan, titulada Las 13 flores de Nanking, basada en los hechos relatados en su diario por la misionera norteamericana Minnie Vautrin.

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La película está ambientada en la conquista japonesa de Nanking de diciembre de 1937 en la que el ejército nipón impuso una política de tierra quemada destruyendo y asesinando a miles de chinos, civiles y militares. En este escenario una iglesia católica se convierte en refugio de unas pocas alumnas del colegio y de un grupo de catorce prostitutas. Con ellas convivirá durante los días de asedio un aventurero americano que toma refugio e identidad nueva en el templo.

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La especial relación entre estos dispares grupos de personas en unas condiciones trágicas será el principal argumento de la película cuyo marco, mostrado con realismo, es la masacre que se está produciendo en Nanking esos días.

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A pesar de la crudeza de algunas imágenes y de la especial maldad con que son retratados los japoneses, la película, dotada de una luz y una musicalidad fuera de lo común, destila humanidad. Los personajes son forzados a adoptar posturas cambiantes a lo largo de la película resultando, a pesar de ello, creíbles y enteros. Son el retrato de unas almas imperfectas, atormentadas, a las que la tragedia que viven les hacen destilar dignidad, bondad y sacrificio.

Vacaciones en Roma de William Wyler

El director alsaciano afincado en los EEUU, William Wyler, ganó tres Oscar como mejor director en su larga carrera cinematográfica. En esta película que dirigió en 1953 fue también nominado al oscar a la mejor película y al mejor director, sin obtener ninguno de ellos, pero, a cambio, obtuvo tes premios, incluido el de mejor actriz principal para Audrey Hepburn a quien se le concedió también el BAFTA de ese año, lo que le daría uno de sus primeros éxitos y el que la lanzó definitivamente a la fama.

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Vacaciones en Roma cuenta lo que le sucede a la princesa Anna, interpretada por Audrey Hepburn, a su llegada a Roma de visita oficial. Cansada de sus obligaciones y de la soledad de su mundo cortesano, decide escaparse durante la noche y vivir la vida de una persona normal y corriente. Conoce a un periodista llamado Joe Bradley, interpretado por Gregory Peck, quien se ofrece a hacer de guía para ella en Roma, en un principio, por el interés de una exclusiva periodística, que incluye unas fotos hechas a escondidas. Juntos recorren Roma durante un día completo en el que se divierten, pasean en Vespa, asisten a un fiesta nocturna y acaban enamorándose. La princesa toma una dura decisión y se despide de Bradley diciendole que jamás olvidará esos momentos, olvidando Bradley el reportaje en que tanto había soñado, como muestra de respeto a Anna.

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Vacaciones en roma es una fábula moderna de princesas y galanes, de elegancia y amoríos sanos y nada interesados, que destila un olor a flores, un canto a las cosas sencillas y cotidianas, a las relaciones de pareja tiernas y simples sin las complicaciones con que ahora se nos pesentan. es además un canto a la Ciudad Eterna, un paseo luminoso por una Roma amable polvorienta y confiada que acababa de salir de una guerra pero miraba alegre y confiada a su futuro, apoyada en su monumental pasado.

Barry Lyndon de Stanley Kubrick

La larga duración de esta película ha sido muchas veces obstáculo para poder disfrutar de ella. El genial Stanley Kubrick dirigió en 1975 esta, que es una de sus más aclamadas obras, en la que durante más de tres horas nos cuenta la historia del personaje que da título a la película, Barry Lyndon, basada en la novela del mismo título escrita por William Thackeray.

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Barry Lybdon fue merecedora de cuatro Oscar de los siete a los que había sido nominado, incluyendo el de mejor vestuario y fotografía, dos BAFTA de los cinco a los que fue nominado, incluyedo el de mejor director.

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La película cuenta las peripecias del aventurero irlandés Barry Lyndon, interpretado por Ryan O'Neal. La historia comienza en Irlanda en el siglo XVIII. El joven Redmond Barry se enamora de su prima Nora Brady y se bate en duelo por su amor matando aparentemente a su prometido el rico capitán inglés Quinn. Barry huye, se enrola en el ejército inglés y tras desertar, se alista al ejército prusiano. Barry viaja por Europa como soldado, agente secreto al servicio de Prusia y finalmente como jugador profesional, buscando fortuna. Seduce y se casa con una rica viuda, Lady Lyndon, interpretada en la película por Marisa Berenson; una mujer de la que no está enamorado por lo que es indiferente a ella y a su hijo, el pequeño Lord Bullingdon, quien sabe que Barry es simplemente un oportunista. Barry se convierte en un hombre cínico y un marido egoísta. La pareja tiene un hijo, Brian, que crece gozando del gran cariño de su padre pero que muere tras sufrir una caída de caballo. En un duelo con Lord Bullingdon, Barry pierde una pierna se va de Inglaterra, regresando a Irlanda y dejando atrás a su esposa a uien no volverá a ver, dedicándose de nuevo, pero sin éxito, al juego.

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Esta es una película espectacular y triste, de gran impacto visual, de paisajes y vestuarios que dan un empaque especal y que, a pesar de su largo metraje, de su sesgo antimilitarista, y de ser introducido por un narrador en off, no se hace pesado y no ha perdido la frescura y calidad tras cuarenta años.

El Kerigma de Kiko Argüello

La editorial Buenas Letras ha editado recientemente un libro breve e intenso. El prólogo del Cardenal Antonio Cañizares y el comentario final del Cardenal Schönborn, Arzobispo de Viena, son el marco a lo escrito por uno de los iniciadores del Camino Neocatecumenal, Kiko Argüello, bajo el título de El Kerigma. El subtítulo, "En las chabolas con los pobres" es explicativo de parte de su contenido.

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El libro se compone de varias partes, además de las escritas por los purpurados arriba señalados. En la parte principal Kiko cuenta de forma sencilla y directa su conversión, el proceso que, desde el ateísmo le ha llevado a ser uno de los grandes impulsores de la nueva evangelización y un renovador dentro de la ortodoxia católica.

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Su experiencia con los más humildes en las chabolas de Palomeras Altas, en el Madrid de 1960, le transforma y le impulsa a profundizar y difundir la gran noticia de la Salvación contenida en los Evangelios, el Kerigma. Como muestra de ello, siendo quizás la parte más interesante del libro, se incluye el texto de una catequesis pronunciada en  la Abadía de Santo Domingo de Sora, Italia, en junio de 2012, que, bajo el título de "Los tres ángeles" señala las claves de la conversión y de la verdadera felicidad de manera comprensible para el paganizado hombre moderno.

Desayuno con diamantes de Blake Edwards

La película Breakfast at Tiffany's se estrenó en España en 1961 bajo el título de Desayuno con diamantes, seguramente porque en aquellos años pocos sabian de la famosa joyería neoyorkina. Sea como fuera, Blake Edwards, su director y, además, el de toda la saga de la Pantera Rosa, obtuvo un sonoro éxito con esta película que fue nominada para cinco Oscar de los que obtuvo dos a la mejor banda sonora y a la mejor canción, la famosísima Moon River. Además obtuvo dos Globos de Oro a la mejor comedia y a la mejor actriz, a la insuperable, gracil y atractiva Audrey Hepburn, que fue nominada para cinco oscar pero sólo recibió el primero, en 1953 por vacaciones en Roma.

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El guión de esta película es una adaptación de la novela de Truman Capote, que cuenta la historia de Holly Golightly, la joven neoyorquina que, aparentemente, lleva una vida fácil y alegre y tiene un comportamiento bastante extravagante, por ejemplo, desayunar contemplando el escaparate de la lujosa joyería Tiffanys. Un día se cambia a su mismo edificio Paul Varjak, un escritor que, mientras espera inspiración para una novela. Pero nada es lo que parece y la trama da mil vueltas.

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El resultado es una comedia agradable, simple, con un fondo positivo, y una reflexión sobre el compromiso y la búsqueda de la felicidad mediante las peripecias de una joven que quiere encontrar la felicidad en el dinero y que es víctima de sus propias indecisiones que la hacen esclava de si misma hasta que cambia...

Fresas salvajes de Ingmar Bergman

El genial director de cine sueco Ingmar Bergman, llevó a las pantallas esta película en 1957 considerada por algunos críticos como una obra maestra. Fresas Salvajes que recibió varios premios, como el oso de oro en el Festival de Berlín, un Globo de oro y fue nominada para el Oscar al mejor guión original, que no ganó.
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El Doctor Isak Borg, de cerca de 80 años va a recibir un doctorado de honor pero durante la víspera sueña con su propio entierro lo que le impulsa a hacer el viaje hasta Lund, donde será la ceremonia, en coche acompañado por su nuera y a la que durante el viaje se van incorporando otros personajes, que propician discusiones varias sobre temas profundos, como la existencia de Dios o sobre el perdón y la necesidad de reconciliarse con el otro.
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Las constantes evocaciones, reales u oníricas, de la infancia del Doctor Borg son una parte importante de la película, lo que perite a Bergman bucear en los recuerdos y buscar las claves de los problemas actuales que sufre este personaje.
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Rodada en blanco y negro pero de una gran belleza plástica y con dos actores principales absolutamente magníficos, Fresas salvajes es una reflexión sobre la vejez y los anhelos humanos, sobre la familia, el valor de la experiencia en la vida, la necesidad del perdón. Esta es una obra de arte que le dejará buen sabor de boca.

Francisco I, Pontífice de la Hispanidad y Universal

Como era de esperar tras los dictamenes de las casas de apuestas, de las cábalas de los "vaticanólogos" y columnistas ateos de toda laya, el Espítitu Santo se ha valido de 115 personas para designar al sucesor de Pedro y de Benedicto XVI en Roma. Y ha elegido, sin duda, a la persona necesaria en este preciso momento.

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El Arzobispo de Buenos Aires, Cardenal Jorge Bergoglio SJ, ha sido elegido Para por el Colegio Cardenalicio. Por primera vez tendremos un Papa sudamericano y por primera vez un Jesuita.

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La Hispanidad, es decir, la mitad de los católicos del mundo, la magna empresa histórica de España adopta hoy una dimensión universal. Un argentino, de dulce acento rioplatense, gobernará la Iglesia Universal desde hoy mismo. Sobre sus espaldas la gran responsabilidad que tienen todos los Romanos Pontífces, a su lado, para apoyarle, millones de oraciones en español se oiran con más vigor que nunca sobre todas las demás igualmente necesarias.
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SS. Francisco I, es testigo y heredero de la Historia universal de la Iglesia de Roma y también de la Historia de la Hispanidad.

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Que el Señor le dé la fuerza necesaria para gobernar la nave en la que todos vamos por las turbulentas aguas del mundo. Recemos, como nos pidió, por ello.

Shame de Steve McQueen

El director británico, de raza negra, Steve McQueen, que no tiene nada que ver con el actor de películas de acción de los años 1960 y 70s, comenzó sus trabajos de dirección a finales de los 1990s con varios cortometrajes y alcanzó la madurez en 2009 con Hunger y después con Shame, estrenada en 2011 con polémica dado el tema que trataba  y porque mostraba la desnudez masculina, algo que, hipócritamente (y con cierto halo de machismo), condenaba la crítica cinematográfica y que fue tabú en el cine hasta entonces ya que sólo se "permitía" en el cine pornográfico. No es que esto sea de mi interés, como comprenderán, pero es una muestra de lo extraño que este mundo del cine.

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La película Shame, que significa vergüenza en inglés, cuenta la historia de Brandon, un joven treintañero neoyorquino adicto al sexo e incapaz de comprometerse. Pero su vida cambia cuando su hermana se va a vivir con él.

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Comienza por no admitir que su hermana tenga relaciones con otros hombres lo que le lleva a empezar a ver a las mujeres no como mero elemento de placer y diversión. Y las circunstancias empiezan a enseñarle que muy por encima del placer de un instante está el compromiso (el amor son aquí, palabras mayores), las relaciones humanas, la familia...

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Esta película podría ser considerada, por algunos, como pornográfica. Creo que no lo es ya que aunque tiene bastantes escenas de sexo, no constituye el tema central, que se sitúa más bien en el inmenso vacío que llena, si permiten el oxímoron, las almas de varias generaciones de occidentales, como Brando o como muchos de nosotros.

Americano de Kevin Noland

El no muy prolífico ni conocido director de cine norteamericano Kevin Noland escribió el guión de esta película estrenada en 2005 y que contó con actores poco conocidos y, seguramente un presupuesto escaso y que lleva por título Americano, también en su versión original yankee

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La película cuenta la vida de tres norteamericanos durante los Sanfermines de Pamplona. Allí les surgen las dudas sobre si volver a los EEUU e iniciar su vida laboral o por el contrario, quedarse en España apostando por una vida diferente a la se tienen trazada. Al crecimiento de semejante duda contribuyen de manera eficaz el ambiente festivo pamplonés y una tal Adela, interpretada por la chilena Leonor Varela, que está rompedora, si me permiten la expresión.

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La película no tiene en sí un gran interés más que el mero entretenimiento de ver, desde dentro, la más internacional de las fiestas españolas, con las necesarias referencias a Ernest Hemingway en cuya novela Fiesta, The sun also rises en su título original, parece estar inspirado el guión.

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Las escenas en el campo, rodadas en Muskiz, Urbasa, Indurain, Zubieta y Lumbier, son un verdadero homenaje a Navarra y más cuando termina con una moza cantando  la jota "Navarra no morirá". Al final, me quedó la nostalgia de Urbasa, Estella, el Pirineo y de muy buenos recuerdos...

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En definitiva es una película que se deja ver, que no tiene grandes pretensiones pero que deja buen sabor de boca, al margen del guión de la película que es absolutamente accidental.

Ma l'amore no de Ennio Morricone

Esta es una vieja canción italiana de los años 1930s que fue adpatada por Ennio Morricone para la película Malena, que he visto recintemente. La canción se titula Ma l'amore no, Pero el amor no, cantada aquí por Lina Termini, tiene el indudable acento de esos años, víspera de guerra y tragedia, pero se arma sobre la suave cadencia de las grandes orquestas europeas y americanas de ese tiempo y me resulta especialmente evocadora. Me ha gustado tanto que quiero compartirla con ustedes.

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La letra dice, en italiano, así:

...Ma l'amore no

...l'amore mio non può

...disperdersi nel vento con le rose

...tanto è forte che non cederà, non sfiorirà

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...Io lo veglierò

...Io lo difenderò

...da tutte quelle insidie velenose

...che vorrebbero strapparlo al cuor, povero amor.

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...Forse te ne andrai

...da altre donne le carezze cercherai

...ahimè!

...e se tornerai

...già sfiorita ogni bellezza troverai, in me.

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...Ma l'amore no

...l'amore mio non può

...dissolversi con l'oro dei capelli

...finch'io vivo sarà vivo in me, solo per te.

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La primera estrofa en español sería así como:

...Pero el amor, no

...Mi amor no se puede

...dispersar en el viento con las rosas.

...Es tan fuerte que no cederá, no se marchitará.

Malena de Giuseppe Tornatore

El siciliano Giuseppe Tornatore, director de cine aclamado por su Cinema Paradiso, que mereció un Oscar, un BAFTA y un Globo de Oro en 1990, ha dirigido otras obras, con la Italia rural siempre como escenario, principalmente Sicilia, y con los arquetipos italianos como persnajes. En el año 2000 dirigió una obra que podríamos calificar como menor, que lleva por título Malena. Y la considero menor a pesar de haber sido nominada a dos Oscar, mejor fotografía y mejor banda sonora, de Ennio Morricone, por supuesto, a dos Globos de Oro y a un BAFTA, aunque no obtuviera ninguno. Y creo que es menor, frente a otras del mismo autor, porque, aunque es una buena película se en exceso en el personaje femenino, recreándose en la indudable belleza de su protagonista Malena, interpretada por una Monica Bellucci que está, verdaderamente, como un tren.

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Malena es la belleza más encantadora e irresistible de Castelcuto, un pequeño pueblo de la costa siciliana. Acaba de llegar al pueblo y, estando su marido en la guerra, cada paseo que da se convierte en un espectáculo que va acompañado de las lujuriosas miradas de los hombres y de los resentidos cotilleos de sus envidiosas esposas. Un grupo de adolescentes la sigue allí donde vaya, con la única intención de observar su exquisita y singular belleza. Pero entre ellos, Renato, un chico de trece años con mucha imaginación, lleva su deseo a unos límites de obsesiva fantasía. Malena es la historia paralela de un adolescente que descubre nuevas sensaciones, digamoslo así, y la de una mujer que, en la Sicilia de los años 1940, sufre a causa de su belleza y de sus trágicas circunstancias

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Malena es una crítica social a la Sicilia oscuratista, envidiosa y, a pesar de todo, alegre. Es una exploración a los sentimientos sensuales de un adolescente y finalmente un canto a la belleza femenina. Una parábola sobre la envidia, la calumnia, la hipocresía y la intolerancia que se ve con agrado.

Mapa de los sonidos de Tokio de Isabel Coixet

Algunos directores españoles han vendido su alma a la ideología e la que viven y de la que se apacientan. Esto lejos de ser un impedimento, como pasaría en muchos sitios, en España supone un (supuesto) "marchamo de calidad", un plus. Es la forma de ser eso tan ridículo que llaman "artista comprometido", aunque nos han dicho con qué... Pero nos lo imaginamos. Isabel Coixet es una de ellas y ha basado su escaso trabajo cinematográfico en productos de propaganda de la izquierda subvencionada.

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La Coixet hizo un par de películas que fueron, lógicamente, premiadas, en los Goya, pero esta fue la única que optó, aunque sin éxito a la Palma de Oro de Cannes en 2009, y al Oscar a la mejor cinta extranjera en el mismo año del estreno de esta Mapa de los sonidos de Tokio, que pasó, no obstante, sin pena ni gloria por las carteleras.

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Coixet hace una película japonesa, cultura a la que dice sentirse cercana, con la japonesa Rinko Kikuchi y un muy poco convincente (pero "comprometido"), Sergi López. La película cuenta una historia de asesinos a sueldo y pasión que podría ser interesante pero que se pierde entre escenas de sexo que nada aportan y momentos de "espera" que añaden poco a una trama artificiosamente estirada y que contiene varias historias interconectadas y paralelas, pero superfluas, contadas por un narrador que no sabemos quien es. Es una película pretenciosa y vacía, un ejercicio visual sin alma ni emoción.

Raza de José Luis Sáenz de Heredia

El director de cine español José Luis Sáenz de Heredia tuvo unos inicios prometedores antes de guerra civil, en los que contó con la ayuda de Luis Buñuel. Tras la contienda, continuó en 1941 con Raza, su cuarto largometraje, y siguió con varios títulos de mérito hasta que fue cayendo, durante el llamado tardofranquismo, en películas de destape tan de moda aquellos últimos 1960s. Raza tiene guión de Jaime de Andrade, que no es otro que el General Francisco Franco y cuenta la historia de varias generaciones de una familia española, la Churruca, que desde Trafalgar, pasa por Cuba y llega a las trincheras de la Ciudad Universitaria de Madrid.

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Dentro de las limitaciones técnicas de la época, la variada calidad de las interpretaciones, destacando sobre todos Alfredo Mayo, y el guión, que es una pieza propagandística, como tan habitual era entonces, en todos los países, Raza es un clásico de la filmografía de guerra, centrándose sobre todo en la vida del Madrid ocupado y en los diversos personajes con caracteres leales, acomodaticios, blandos, acalorados... La guerra y la naturaleza humana.
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Raza se ve con agrado y con cierta sonrisa por lo infantil en el planteamiento, de buenos y malos absolutos. A muchos otros le saldrían sarpullidos, claro está. Pero poco me importa.

Les Lyonais de Olivier Marchal

El director francés Olivier Marchal ha dirigido una película dura, épica, brillante y mortal, en la que la vida y la muerte dependen de un "buen golpe", pero también de la lealtad y hermandad entre los miembros de la banda que lleva el nombre de Les Lyonais, banda que existió hace 40 años en Francia.

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Edmond Vidal, alias "Momon", interpretado con maestría por Gérard Lanvin, es un gitano que vive ya retirado del mundo del crimen, tras haber formado parte de la banda "Los lioneses", que cometieron numerosos atracos por toda Francia en los 70 del que formaba parte su amigo Serge, a quien siente casi como a un hermano. Tras el nacimiento de su séptimo nieto, recibe la noticia de que su compañero Serge, con el que se inició en el mundo criminal, ha sido detenido después de burlar a la justicia durante trece años. La amistad y la lealtad hacen que Momon se plantee sacar de la cárcel a su amigo. A partir de ahí y tras haber dado su palabra a su mujer de no volver al mundo del crimen, Momon se ve envuelto en una lucha entre los Lioneses, que regresan, por lealtad, a la acción, la policía y una banda que busca a Serge que tiene una deuda con ellos. A la vez, la película narra, con frecuentes feed back, la vida criminal de Momon y Serge en su juventud.

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Les Lyonais es una película que nos habla de viejas normas no escritas, de códigos que mantienen unidas, a pesar de los sufrimientos, a los grupos de amigos, de camaradas, de personas que se han jugado la vida juntos protegiéndose las espaldas mutuamente. En definitiva, de reglas de otros tiempos lamentablemente en franca retirada.