Shame de Steve McQueen

El director británico, de raza negra, Steve McQueen, que no tiene nada que ver con el actor de películas de acción de los años 1960 y 70s, comenzó sus trabajos de dirección a finales de los 1990s con varios cortometrajes y alcanzó la madurez en 2009 con Hunger y después con Shame, estrenada en 2011 con polémica dado el tema que trataba  y porque mostraba la desnudez masculina, algo que, hipócritamente (y con cierto halo de machismo), condenaba la crítica cinematográfica y que fue tabú en el cine hasta entonces ya que sólo se "permitía" en el cine pornográfico. No es que esto sea de mi interés, como comprenderán, pero es una muestra de lo extraño que este mundo del cine.

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La película Shame, que significa vergüenza en inglés, cuenta la historia de Brandon, un joven treintañero neoyorquino adicto al sexo e incapaz de comprometerse. Pero su vida cambia cuando su hermana se va a vivir con él.

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Comienza por no admitir que su hermana tenga relaciones con otros hombres lo que le lleva a empezar a ver a las mujeres no como mero elemento de placer y diversión. Y las circunstancias empiezan a enseñarle que muy por encima del placer de un instante está el compromiso (el amor son aquí, palabras mayores), las relaciones humanas, la familia...

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Esta película podría ser considerada, por algunos, como pornográfica. Creo que no lo es ya que aunque tiene bastantes escenas de sexo, no constituye el tema central, que se sitúa más bien en el inmenso vacío que llena, si permiten el oxímoron, las almas de varias generaciones de occidentales, como Brando o como muchos de nosotros.

Americano de Kevin Noland

El no muy prolífico ni conocido director de cine norteamericano Kevin Noland escribió el guión de esta película estrenada en 2005 y que contó con actores poco conocidos y, seguramente un presupuesto escaso y que lleva por título Americano, también en su versión original yankee

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La película cuenta la vida de tres norteamericanos durante los Sanfermines de Pamplona. Allí les surgen las dudas sobre si volver a los EEUU e iniciar su vida laboral o por el contrario, quedarse en España apostando por una vida diferente a la se tienen trazada. Al crecimiento de semejante duda contribuyen de manera eficaz el ambiente festivo pamplonés y una tal Adela, interpretada por la chilena Leonor Varela, que está rompedora, si me permiten la expresión.

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La película no tiene en sí un gran interés más que el mero entretenimiento de ver, desde dentro, la más internacional de las fiestas españolas, con las necesarias referencias a Ernest Hemingway en cuya novela Fiesta, The sun also rises en su título original, parece estar inspirado el guión.

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Las escenas en el campo, rodadas en Muskiz, Urbasa, Indurain, Zubieta y Lumbier, son un verdadero homenaje a Navarra y más cuando termina con una moza cantando  la jota "Navarra no morirá". Al final, me quedó la nostalgia de Urbasa, Estella, el Pirineo y de muy buenos recuerdos...

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En definitiva es una película que se deja ver, que no tiene grandes pretensiones pero que deja buen sabor de boca, al margen del guión de la película que es absolutamente accidental.

Ma l'amore no de Ennio Morricone

Esta es una vieja canción italiana de los años 1930s que fue adpatada por Ennio Morricone para la película Malena, que he visto recintemente. La canción se titula Ma l'amore no, Pero el amor no, cantada aquí por Lina Termini, tiene el indudable acento de esos años, víspera de guerra y tragedia, pero se arma sobre la suave cadencia de las grandes orquestas europeas y americanas de ese tiempo y me resulta especialmente evocadora. Me ha gustado tanto que quiero compartirla con ustedes.

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La letra dice, en italiano, así:

...Ma l'amore no

...l'amore mio non può

...disperdersi nel vento con le rose

...tanto è forte che non cederà, non sfiorirà

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...Io lo veglierò

...Io lo difenderò

...da tutte quelle insidie velenose

...che vorrebbero strapparlo al cuor, povero amor.

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...Forse te ne andrai

...da altre donne le carezze cercherai

...ahimè!

...e se tornerai

...già sfiorita ogni bellezza troverai, in me.

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...Ma l'amore no

...l'amore mio non può

...dissolversi con l'oro dei capelli

...finch'io vivo sarà vivo in me, solo per te.

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La primera estrofa en español sería así como:

...Pero el amor, no

...Mi amor no se puede

...dispersar en el viento con las rosas.

...Es tan fuerte que no cederá, no se marchitará.

Malena de Giuseppe Tornatore

El siciliano Giuseppe Tornatore, director de cine aclamado por su Cinema Paradiso, que mereció un Oscar, un BAFTA y un Globo de Oro en 1990, ha dirigido otras obras, con la Italia rural siempre como escenario, principalmente Sicilia, y con los arquetipos italianos como persnajes. En el año 2000 dirigió una obra que podríamos calificar como menor, que lleva por título Malena. Y la considero menor a pesar de haber sido nominada a dos Oscar, mejor fotografía y mejor banda sonora, de Ennio Morricone, por supuesto, a dos Globos de Oro y a un BAFTA, aunque no obtuviera ninguno. Y creo que es menor, frente a otras del mismo autor, porque, aunque es una buena película se en exceso en el personaje femenino, recreándose en la indudable belleza de su protagonista Malena, interpretada por una Monica Bellucci que está, verdaderamente, como un tren.

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Malena es la belleza más encantadora e irresistible de Castelcuto, un pequeño pueblo de la costa siciliana. Acaba de llegar al pueblo y, estando su marido en la guerra, cada paseo que da se convierte en un espectáculo que va acompañado de las lujuriosas miradas de los hombres y de los resentidos cotilleos de sus envidiosas esposas. Un grupo de adolescentes la sigue allí donde vaya, con la única intención de observar su exquisita y singular belleza. Pero entre ellos, Renato, un chico de trece años con mucha imaginación, lleva su deseo a unos límites de obsesiva fantasía. Malena es la historia paralela de un adolescente que descubre nuevas sensaciones, digamoslo así, y la de una mujer que, en la Sicilia de los años 1940, sufre a causa de su belleza y de sus trágicas circunstancias

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Malena es una crítica social a la Sicilia oscuratista, envidiosa y, a pesar de todo, alegre. Es una exploración a los sentimientos sensuales de un adolescente y finalmente un canto a la belleza femenina. Una parábola sobre la envidia, la calumnia, la hipocresía y la intolerancia que se ve con agrado.

Mapa de los sonidos de Tokio de Isabel Coixet

Algunos directores españoles han vendido su alma a la ideología e la que viven y de la que se apacientan. Esto lejos de ser un impedimento, como pasaría en muchos sitios, en España supone un (supuesto) "marchamo de calidad", un plus. Es la forma de ser eso tan ridículo que llaman "artista comprometido", aunque nos han dicho con qué... Pero nos lo imaginamos. Isabel Coixet es una de ellas y ha basado su escaso trabajo cinematográfico en productos de propaganda de la izquierda subvencionada.

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La Coixet hizo un par de películas que fueron, lógicamente, premiadas, en los Goya, pero esta fue la única que optó, aunque sin éxito a la Palma de Oro de Cannes en 2009, y al Oscar a la mejor cinta extranjera en el mismo año del estreno de esta Mapa de los sonidos de Tokio, que pasó, no obstante, sin pena ni gloria por las carteleras.

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Coixet hace una película japonesa, cultura a la que dice sentirse cercana, con la japonesa Rinko Kikuchi y un muy poco convincente (pero "comprometido"), Sergi López. La película cuenta una historia de asesinos a sueldo y pasión que podría ser interesante pero que se pierde entre escenas de sexo que nada aportan y momentos de "espera" que añaden poco a una trama artificiosamente estirada y que contiene varias historias interconectadas y paralelas, pero superfluas, contadas por un narrador que no sabemos quien es. Es una película pretenciosa y vacía, un ejercicio visual sin alma ni emoción.

Raza de José Luis Sáenz de Heredia

El director de cine español José Luis Sáenz de Heredia tuvo unos inicios prometedores antes de guerra civil, en los que contó con la ayuda de Luis Buñuel. Tras la contienda, continuó en 1941 con Raza, su cuarto largometraje, y siguió con varios títulos de mérito hasta que fue cayendo, durante el llamado tardofranquismo, en películas de destape tan de moda aquellos últimos 1960s. Raza tiene guión de Jaime de Andrade, que no es otro que el General Francisco Franco y cuenta la historia de varias generaciones de una familia española, la Churruca, que desde Trafalgar, pasa por Cuba y llega a las trincheras de la Ciudad Universitaria de Madrid.

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Dentro de las limitaciones técnicas de la época, la variada calidad de las interpretaciones, destacando sobre todos Alfredo Mayo, y el guión, que es una pieza propagandística, como tan habitual era entonces, en todos los países, Raza es un clásico de la filmografía de guerra, centrándose sobre todo en la vida del Madrid ocupado y en los diversos personajes con caracteres leales, acomodaticios, blandos, acalorados... La guerra y la naturaleza humana.
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Raza se ve con agrado y con cierta sonrisa por lo infantil en el planteamiento, de buenos y malos absolutos. A muchos otros le saldrían sarpullidos, claro está. Pero poco me importa.

Les Lyonais de Olivier Marchal

El director francés Olivier Marchal ha dirigido una película dura, épica, brillante y mortal, en la que la vida y la muerte dependen de un "buen golpe", pero también de la lealtad y hermandad entre los miembros de la banda que lleva el nombre de Les Lyonais, banda que existió hace 40 años en Francia.

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Edmond Vidal, alias "Momon", interpretado con maestría por Gérard Lanvin, es un gitano que vive ya retirado del mundo del crimen, tras haber formado parte de la banda "Los lioneses", que cometieron numerosos atracos por toda Francia en los 70 del que formaba parte su amigo Serge, a quien siente casi como a un hermano. Tras el nacimiento de su séptimo nieto, recibe la noticia de que su compañero Serge, con el que se inició en el mundo criminal, ha sido detenido después de burlar a la justicia durante trece años. La amistad y la lealtad hacen que Momon se plantee sacar de la cárcel a su amigo. A partir de ahí y tras haber dado su palabra a su mujer de no volver al mundo del crimen, Momon se ve envuelto en una lucha entre los Lioneses, que regresan, por lealtad, a la acción, la policía y una banda que busca a Serge que tiene una deuda con ellos. A la vez, la película narra, con frecuentes feed back, la vida criminal de Momon y Serge en su juventud.

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Les Lyonais es una película que nos habla de viejas normas no escritas, de códigos que mantienen unidas, a pesar de los sufrimientos, a los grupos de amigos, de camaradas, de personas que se han jugado la vida juntos protegiéndose las espaldas mutuamente. En definitiva, de reglas de otros tiempos lamentablemente en franca retirada.

Annie Hall de Woody Allen

El director y actor de cine norteamericano Woody Allen obtuvo uno de sus mayores éxitos profesionales en 1977, al ganar el cuatro Oscar, incluyendo el de mejor director, mejor película y mejor guión original, el BAFTA británico y el César francés a la mejor película. Además, su protagonista femenina, Diane Keaton obtuvo el Oscar y el Globo de oro a la mejor actriz. Annie Hall fue uno de los grandes éxitos de ese año y continúa siendo una película de culto para loa amantes de la obra de Woody Allen y del cine en general.

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Alvy Singer, a quien da vida Woody Allen, es un tipo algo neurótico, que visita a su psicoanalista desde hace 15 años y que trabaja como humorista en clubes nocturnos. A sus 40 años, tras romper con Annie, su última novia, reflexiona sobre su vida, rememorando sus amores, sus matrimonios, pero muy en especial su relación con Annie, a la que conoció en una cancha de tenis. Al final, llega a la conclusión de que son sus manías y obsesiones las que siempre acaban arruinando su relación con las mujeres. En definitiva una radiografía de la sociedad americana de aquellos años. Como curiosidad, en esta película Allen y Keaton interpretaron su propia ruptura.

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La forma transgresora de plantear la película, con escenas en las que los actores se dirigen al público o la inclusión de una escena de dibujos animados resultó revolucionaria en aquellos años y marcó un hito en la historia del cine.

El buen pastor de Robert de Niro

El actor Robert de Niro dirigió un par de películas entre las que se encuentra ésta, que se considera una de las mejores películas de espías, con una duración algo inferior a las tres horas, fue rodada en 2006, nominada para un Oscar y lleva por título El buen pastor. Como curiosidad, de Niro se reservó un papel secundario. La película se centra en los primeros años de la CIA en la vida de uno de sus primeros miembros.

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El argumento se mueve entre varios momentos históricos de la vida de Edward Wilson, personaje que recrea la vida de James Jesus Angleton, un miembro de la elitista sociedad secreta de la Universidad de Yale, "The skuls and bones" y miembro de la OSS y luego la CIA, donde llegó a ser jefe de Contrainteligencia.

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La película da saltos en el tiempo desde sus comienzos universitarios y su relación con este reducido grupo secreto, la segunda guerra mundial y la guerra fría, en especial el fracaso del desembarco de la Bahía de Cochinos que pretendía en 1961, derrocar a Fidel Castro.

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Supone un extraordinario retrato de la génesis de los servicios de inteligencia norteamericanos, de sus operaciones fallidas y de sus métodos a veces poco ortodoxos. Retrata muy fielmente toda esa época de traiciones, agentes dobles y riesgo que fue la Guerra fría.

Los dioses deben estar locos de Jamie Uys

Hace muchos años, seguramente cuando se estrenó en España esta película, me apeteció verla pero no fue posible. Ahora sí y he disfrutado de esta atípica película sudafricana dirigida en 1980 por Jamie Uys, que explica las cosas cotidianas desde el punto de vista de un bosquimano, junto con otras historias paralelas típicamente africanas y que tanto me gustan. Su título es Los dioses deben estar locos y la situación se desarrolla en Botsuana.

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El caso es que los bosquimanos son una apacible tribu africana que vive armoniosamente lejos de la civilización y sin preocuparse de las miles de asuntos que nos hacen infelices. entre otras, la propiedad de las cosas. Un día uno de sus miembros, recoge en la llanura una botella vacía de Coca-cola. Pensando que se trata de un regalo de los dioses, la lleva a la tribu. El extraño objeto, codiciado por todos, acabará por romper la paz que reinaba entre la familia. El viaje de este bosquimano para devolver la botella a los dioses es disparatado y divertido, pero a la vez va dando pequeñas dosis de sabiduría africana.

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La película es una mezcla de documental, película de aventuras, y una profunda reflexión sobre la libertad y el mundo moderno, con las comodidades que nos esclavizan y las normas y leyes que a veces no hacen justicia sino que cumplimentan las necesidades que nosotros mismos nos hemos creado.

70 aniversario de la batalla de Krasny Bor

Era entonces Krasny Bor una zona pensada para una urbanización obrera a las afueras de Leningrado, a 20 kilómetros de esa ciudad que hoy se vuelve a conocer por su antiguo nombe de San Petersburgo.

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Allí, hace hoy setenta años, una parte de la División Azul, bajo un frio polar y sobre una gran capa de nieve se enfrentó a una ofensiva del 55 Ejército soviético que contaba con cinco veces más fuerzas que los españoles además de una cantidad proporcionalmente muy superior de artillería y carros.

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Poco importaba aquello de los números y las potencias de fuego relativas, pero lo cierto es que en tres días de combate, las fuerzas españolas sufrieron más de 3.500 bajas, cerca del 70% de las fuerzas desplegadas. Los rusos tuvieron 12.000 muertos y la ofensiva soviética fue detenida. La detención, ya lo sabemos por que conocemos el final de la historia, fue provisional.

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Quizás alguien piense que fue un esfuerzo inútil o que no mereció la pena el sacrificio. Libres son de pensar lo que les plazca, pero sepan que, en los arrabales de Leningrado, hace hoy setenta años, en las praderas nevadas, sobre el suelo embarrado y quemado por la artillería soviética, se escribió con sangre española una de las mayores gestas heróicas de la Segunda Guerra Mundial. Sepan que allí, las voces españolas desgarradas, pero cálidas y apasionadas cantaban y rezaban derritendo la nieve en un invierno mortal. Sepan que sobre la estepa rusa, hace hoy setenta años, florecieron rojas y frescas, un puñado de rosas.

Un verano con Mónica de Ingmar Bergman

El genio sueco Ingmar Bergman dirigió en 1953 una película que le supuso su reconocimiento internacional como director en este que fue su 12º largometraje basado en la novela del escritor también sueco Per Anders Fogelström, del mismo título que la película, Un verano con Mónica.

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El argumento trata sobre el enamoramiento de dos jóvenes que viven una "aventura de liberación". Harry tiene 19 años y trabaja en un almacén de vidrio y porcelana en el que no se encuentra a gusto. En un local próximo, un almacén de vegetales, trabaja Mónica también una joven de 17 años alegre y soñadora que está a disgusto en su trabajo y en su casa. Ambos comienzan una relación en un café, se enamoran y deciden dejar sus empleos, en los que son hostigados y abandonan la ciudad, Estocolmo, en la pequeña lancha del padre Harry dirigiéndose al archipiélago, próximo a la isla de Örno, para pasar unas semanas a solas, rompiendo cualquier atadura social o familiar. Pero todo cambia poco a poco hasta presentar su más fea cara.

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Bergman rompió, además, un tabú con esta cinta que presentaba un desnudo de su actriz protagonista, Harriet Andersson, que hacía su primer trabajo con el director sueco con este largometraje que la consagró como una actriz de mérito.

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Rodada en blanco y negro, Un verano con Mónica es de una belleza y una luminosidad fuera de lo común, pero es además una triste reflexión sobre asuntos trascendentes de la vida, la madurez, la responsabilidad, la fidelidad, el amor, el serio planteamiento del futuro, la vacuidad de la vida...

Sobran las palabras de Nicole Holofcener

La directora de cine y televisión norteamericana Nicole Holofcener, dirigió en 2013 esta película, que fue nominada para un Globo de oro a la mejor actriz, y que se titula Sobran las palabras.

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El guión cuenta la historia de Eva, una madre divorciada que trabaja como masajista y que ve con temor la inminente partida de su hija a la universidad. Eva tiene un idilio con Albert, un hombre dulce, divertido y un poco maniático, que también vive sólo por que está divorciado. Al  mismo tiempo hace amistad con Marianne, una clienta sofisticada que es poetisa. Cuando Eva conoce la verdad sobre el ex marido de Marianne, empieza a albergar dudas sobre su relación con Albert y se deja influir negativamente. La película tiene un muestrario de personajes reales, tristemente reales, de neuróticos, egoistas, indecisos, cobardes y personas con bajo coeficiente moral, como, sobre todo, la propia Eva.

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Esta es una película "romántica" de amores y desencueantros, de enamoramientos y relaciones que se enfrían. De divorcios y soledades, en definitiva de la gran enfermedad occidental de la falta de compromiso, de la firma apuesta por los sucedáneos del amor. Por eso, no deja indiferente a nadie, y menos a quien, como yo vive y se alimenta de amor verdadero.

Por favor, dejen paso

No queda tiempo para lamentos. Todo parece estar cerrándose. Un negro sumidero se lleva nuestra última esperanza. En el horizonte ya no se ve el resplandor del faro que anunciaba el calor cercano  del hogar, donde todo era fácil y amable, donde las certezas y el cariño arrullaban y hacían llevaderas las miserias materiales porque nos sustentaban las grandezas morales.

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Se retira la tierra bajo nuestros pies, la decencia y la honestidad están en fuga, la responsabilidad es negada y la reputación y fama están en almoneda. Sólo el éxito material es seña de calidad humana.

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Los que creen dirigirnos ofrecen como ejemplo el delito y la inmoralidad. El dinero va y viene entre cuentas y sobres, sin más esfuerzo que el disimulo.

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Las calles de España se llenan de desesperanza, los gestos airados u orgullosos de otros días se tornan en miradas perdidas, desconcertadas, huérfanas de dirección y de moral. Los hipócitas, que son mayoría, se quejan tan sólo porque reclaman su parte del botín.

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En algunos rincones, no menos sucios, ponen en duda la misma existencia de España, la memoria de nuestros padres y el futuro de nuestros hijos. Todo para que los sobres sigan circulando.

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No es momento para lamentos desgarrados, para la predestinada abulia. No. Es tiempo de que el aire sea rasgado por nuevas canciones de esperanza y honor. Es tiempo de que la única música que se oiga sea la de las máquinas trabajando incansables para levantar el futuro. Es tiempo de sacrificio y esfuerzo, de negación propia para la afirmación colectiva. Es el momento de que las personas importantes se retiren para dejar paso a las personas útiles. Es el momento de que quien deba, vaya a la cárcel, sin excepción, y que tome el timón quien sepa. Los de las listas de siempre ya han dado todos su medida.

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Por favor, dejen paso.